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Hello les Makers !

Envie de fabriquer un porte-clés en macramé pour vous ou pour offrir ? Avec un anneau métallique, un peu de corde et un même nœud répété tout autour, on vous propose de créer un joli accessoire rond, à personnaliser dans vos couleurs préférées. Un petit projet pour découvrir le macramé et prendre plaisir à faire soi-même !

Ce tutoriel ouvre notre challenge de Noël « 1 jour, 1 tuto » : du 14 novembre au 13 décembre 2026, retrouvez chaque jour une nouvelle idée créative pour préparer vos cadeaux faits main.

On commence avec ce porte-clés aussi joli que pratique ? Sortez vos fils, on vous accompagne !

 

 


 

 

Un porte-clés en macramé à personnaliser et à offrir

Avec sa forme ronde et ses nœuds en relief, ce porte-clés apporte une touche bohème à un trousseau ou à une fermeture de sac.

Ce qu’on aime particulièrement ? Pouvoir jouer avec les couleurs ! Un cordon écru pour une version naturelle, du terracotta pour une touche chaleureuse, ou une teinte vitaminée pour repérer facilement ses clés au fond du sac : à vous de choisir.

C’est aussi une chouette idée de petit cadeau fait main pour une amie, une collègue ou un proche. Glissé dans un calendrier de l’Avent ou accompagné d’une jolie carte, il fera une attention personnelle, fabriquée avec plaisir.

 

Le matériel pour fabriquer votre porte-clés en macramé

Préparez :

  • 2M de corde de coton torsadée 4mm, comme celle de Casasol utilisée dans notre vidéo ;

  • Un anneau métallique rond 50mm, qui servira de support au macramé ;

  • Un petit anneau doré 25mm pour les clés ;

  • Une paire de ciseaux.

Le choix du cordon et du diamètre de l’anneau influencera le rendu de votre création. Pour reproduire notre modèle, retrouvez les fournitures utilisées dans notre sélection.

Notre partenaire Perles & Co nous accompagne pour ce premier tutoriel et nous a offert le matériel.

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Comment réaliser un porte-clés rond en macramé ?

Pas besoin de maîtriser une multitude de nœuds pour vous lancer. Le principe : positionner les fils sur l’anneau, puis répéter le même nouage de base de macramé, toujours dans le même sens, pour recouvrir progressivement le support.

La vidéo vous accompagne pour visualiser le placement des fils, reproduire le geste et réaliser les finitions.

 

Étape 1 : préparer les fils et les anneaux

Préparez votre corde, votre anneau métallique et le petit anneau destiné aux clés.

Avant de couper les fils, regardez la préparation présentée dans la vidéo pour adapter votre découpe au modèle. Prévoyez suffisamment de corde : les nœuds en consomment au fur et à mesure du travail !

Installez-vous sur une surface dégagée pour pouvoir manipuler les fils facilement.

 

Étape 2 : positionner les fils sur l’anneau

Placez les fils sur l’anneau au centre de la corde . Prenez le temps de repérer les brins avant de commencer à nouer.

Installez également le petit anneau pour les clés à l’emplacement indiqué : il sera intégré à votre création.

Cette mise en place est importante pour démarrer confortablement. N’hésitez pas à mettre la vidéo en pause le temps de positionner chaque élément.

 

Étape 3 : répéter les nœuds dans le même sens

Réalisez le premier nœud autour de l’anneau en suivant le passage des fils montré dans la vidéo. Serrez-le, puis recommencez le même geste juste à côté.

L’astuce à retenir : commencez chaque nouveau nouage du même côté. Contrairement au nœud plat classique, qui alterne les côtés, on conserve ici le même sens de nouage pour créer l’effet torsadé.

Avancez progressivement autour de l’anneau. Au fil du travail, rapprochez les nœuds et gardez une tension régulière pour obtenir un rendu homogène.

Les premiers gestes demandent un peu d’attention, puis le rythme s’installe !

 

Étape 4 : terminer le porte-clés

Continuez jusqu’à recouvrir l’anneau métallique, puis réalisez la finition présentée dans la vidéo pour maintenir les derniers nœuds et dissimuler les extrémités.

Avant de couper les fils qui dépassent, vérifiez que l’ensemble est bien fixé. Répartissez les nœuds si nécessaire et contrôlez la bonne tenue du petit anneau pour les clés.

Votre porte-clés est prêt à rejoindre un trousseau… ou un paquet cadeau !

 

 

 

Le tutoriel du porte-clés en macramé en vidéo

Pour comprendre le placement des fils et le sens du nouage, le plus simple reste de voir les gestes.

Suivez le tutoriel à votre rythme : regardez une première fois le mouvement, mettez sur pause pour le reproduire, puis reprenez lorsque vous êtes à l’aise.

🎬 Voir la vidéo : fabriquer un porte-clés rond en macramé

 

Vous débutez en macramé ?

Si les différents nœuds vous semblent encore un peu mystérieux, nous avons aussi préparé une vidéo consacrée aux principaux nœuds de macramé.

Elle vous permettra de mieux repérer le rôle des fils et de vous entraîner avant de commencer votre porte-clés. Une bonne base pour ce projet, mais aussi pour imaginer ensuite d’autres accessoires et décorations !

👉 Apprendre les principaux nœuds de macramé en vidéo

 

Préparez vos cadeaux avec le challenge « 1 jour, 1 tuto »

Ce porte-clés n’est que le début de notre rendez-vous créatif !

Du 14 novembre au 13 décembre 2026, découvrez 30 tutoriels en 30 jours pour préparer Noël avec La Maison des Makers. Couture, macramé, bijoux, modelage… De quoi explorer différentes techniques et trouver des idées pour les personnes que vous avez envie de gâter.

L’idée ? Prendre du plaisir à créer et préparer vos cadeaux progressivement, avec encore un peu de temps avant Noël pour les dernières finitions et les emballages.

En attendant les prochains projets, les tutoriels de l’édition précédente sont toujours là pour vous inspirer :

🎄 Retrouver les tutoriels créatifs de Noël 2025

Alors, quelle couleur allez-vous choisir pour votre porte-clés ?

Partagez vos réalisations avec La Maison des Makers sur les réseaux sociaux : on adore découvrir vos versions et vos associations de couleurs !

À très vite pour un nouveau tuto !

Caroline

Tutoriel réalisé en partenariat avec Perles & Co — matériel offert.

Porte-clés rond en macramé : tuto facile pour débutants

15 nov. 2026

 Hello les Makers !

Et si votre prochain compagnon de voyage sortait de votre atelier ? Aujourd’hui, on vous propose de coudre un sac week-end matelassé, avec de grandes anses, une fermeture éclair et de jolies languettes sur les côtés.

Pour une escapade, une nuit chez des amis ou pour transporter vos affaires du quotidien, voilà un projet aussi pratique que personnalisable. Et c’est aussi une belle idée de cadeau de Noël fait main !

Ce tutoriel fait partie de notre challenge « 1 jour, 1 tuto » : du 14 novembre au 13 décembre 2026, retrouvez 30 idées créatives pour préparer vos cadeaux et vous faire plaisir en créant.

Ce projet est réalisé en partenariat avec Cosia, avec la machine à coudre Cosia C23, la vidéo est disponible ici !

À vos tissus, on passe à la couture !

 


 

 

Un sac week-end en tissu matelassé, à créer dans vos couleurs

Pour ce modèle, nous avons choisi un tissu matelassé à motifs fleuris, dont l’autre face est rayée. Ce contraste apporte une jolie surprise à l’ouverture du sac !

Le matelassage donne du relief au tissu et de la tenue au sac. Les anses sont confectionnées dans le même tissu pour un ensemble coordonné, et la fermeture éclair permet de garder les affaires à l’intérieur.

La construction repose sur deux rectangles de tissu, dont les angles sont découpés puis assemblés pour former le volume. Pas besoin de tracer un patron compliqué : une règle et un petit gabarit carré en papier servent à préparer les pièces.

 

Le matériel pour coudre ce sac week-end

Pour réaliser le modèle présenté dans la vidéo, préparez :

  • 1 mètre de tissu matelassé, dans une laize permettant de disposer toutes les pièces du tableau ci-dessous ;

  • Une fermeture éclair de 50 cm ;

  • Une feuille de papier A4 pour fabriquer le gabarit des angles ;

  • Du fil assorti ;

  • Une règle et un outil de marquage pour tissu ;

  • Des ciseaux de couture et des ciseaux à papier ;

  • Des épingles ou des pinces de couture ;

  • Une machine à coudre : nous utilisons ici la Cosia C23 ;

  • Du biais, si vous souhaitez recouvrir les coutures intérieures pour une finition plus soignée.

Avant de couper, vérifiez votre plan de coupe et le sens des motifs. Le métrage nécessaire peut varier selon la largeur du tissu et les raccords que vous souhaitez réaliser.

 

Les dimensions des pièces à couper

Voici les dimensions indiquées dans notre tutoriel vidéo :

PièceQuantitéDimensions
Corps du sac2 rectangles66 × 45 cm
Anses2 bandes100 × 9 cm
Languettes latérales2 bandes10 × 9 cm
Gabarit en papier1 carré8 × 8 cm

Le carré de papier servira à reporter la même découpe dans chaque angle des deux grands rectangles.

Ces mesures correspondent aux pièces à préparer, et non aux dimensions du sac terminé.

 

 


 

Comment coudre votre sac week-end matelassé ?

Étape 1 : préparer les pièces et découper les angles

Tracez puis découpez les deux rectangles de 66 × 45 cm, les deux bandes de 100 × 9 cm pour les anses et les deux bandes de 10 × 9 cm pour les languettes.

Dans la feuille de papier, préparez un carré de 8 × 8 cm.

Positionnez ce gabarit dans un angle du premier grand rectangle, en alignant ses bords avec ceux du tissu. Tracez son contour, puis découpez le carré obtenu.

Répétez l’opération dans les quatre angles de chacun des deux rectangles, soit huit découpes au total. Ces ouvertures permettront de donner du volume au sac lors de l’assemblage.

Prenez le temps de préparer deux pièces identiques : cela facilitera la correspondance des bords au moment de coudre.

 

Étape 2 : confectionner les anses

Prenez une bande de 100 × 9 cm et pliez-la en deux dans la longueur, endroit contre endroit.

Maintenez les longs bords ensemble, puis piquez sur toute la longueur. Laissez les petites extrémités ouvertes pour pouvoir retourner la bande.

Retournez l’anse sur l’endroit, puis mettez-la bien à plat en répartissant les épaisseurs. Surpiquez les longs bords comme dans la vidéo : l’anse gardera ainsi une forme bien nette.

Préparez la seconde anse de la même manière.

Notre conseil : faites un essai de couture sur une chute de votre tissu matelassé avant de commencer, afin de vérifier le point et l’entraînement des épaisseurs.

 

Étape 3 : fixer les anses sur l’extérieur du sac

Posez un grand rectangle à plat, face extérieure vers vous.

Positionnez la première anse sur cette face en suivant le placement montré dans la vidéo. Vérifiez que ses deux branches sont parallèles et que la boucle n’est pas vrillée.

Épinglez, puis cousez les parties de l’anse qui reposent sur le corps du sac, en conservant la boucle libre pour le porter.

Répétez l’opération sur le second rectangle. Avant de piquer, comparez les deux faces : les anses doivent être placées à la même hauteur et de façon symétrique.

Soignez particulièrement ces coutures, qui seront sollicitées lorsque le sac sera rempli.

 

Étape 4 : assembler les côtés et le fond

Superposez les deux grandes pièces endroit contre endroit, avec les anses à l’intérieur, entre les deux faces.

Alignez les bords et les découpes des angles. Maintenez l’ensemble avec des épingles ou des pinces.

Cousez les deux côtés et le fond du sac, en laissant les ouvertures des angles libres. Ne fermez pas non plus l’ouverture supérieure, qui accueillera la fermeture éclair.

Pendant la couture, vérifiez que les parties libres des anses ne se glissent pas sous l’aiguille.

 

Étape 5 : former les angles du fond

Au niveau d’une découpe inférieure, écartez les épaisseurs et pincez l’angle pour rapprocher les deux bords coupés.

Alignez la couture du côté avec celle du fond, puis aplatissez l’ouverture : vous obtenez un bord droit à assembler.

Maintenez les épaisseurs et cousez l’angle à plat. Répétez l’opération de l’autre côté.

Le fond prend alors sa forme et le sac commence à gagner en volume !

 

Étape 6 : poser la fermeture éclair

Positionnez la fermeture éclair de 50 cm sur le bord supérieur du sac, endroit du zip contre endroit du tissu, comme montré dans la vidéo.

Maintenez le premier ruban, puis piquez avec un pied adapté à la pose d’une fermeture éclair. Dégagez le tissu des dents et réalisez une surpiqûre pour le maintenir en place.

Procédez de la même manière sur l’autre bord supérieur, avec le second ruban de la fermeture.

Avant de poursuivre, faites coulisser le curseur pour vérifier que le tissu ne gêne pas l’ouverture.

Pensez à laisser la fermeture entrouverte avant de fermer les derniers angles : vous pourrez ainsi retourner le sac.

 

Étape 7 : préparer et insérer les languettes

Reprenez les deux petites bandes de 10 × 9 cm.

Formez les languettes en reproduisant le pliage présenté dans la vidéo : les bords sont repliés vers l’intérieur, puis la pièce est pliée pour former une petite boucle.

Au niveau d’un angle supérieur du sac, rapprochez les bords de la découpe pour les aligner à plat.

Insérez une languette dans l’assemblage, boucle dirigée vers l’intérieur du sac encore sur l’envers, avec ses extrémités prises dans la future couture.

Maintenez les épaisseurs, puis cousez l’angle à plat. Répétez de l’autre côté avec la seconde languette.

Prenez votre temps à cet endroit : le tissu matelassé, la fermeture et la languette créent plusieurs épaisseurs.

 

Étape 8 : réaliser les finitions et retourner le sac

Vérifiez les coutures, puis réduisez les surplus de matière aux endroits indiqués dans la vidéo, sans couper trop près des piqûres.

Pour une finition intérieure plus soignée, vous pouvez recouvrir de biais les coutures des angles et les bords au niveau de la fermeture éclair.

Retournez le sac sur l’endroit par l’ouverture du zip. Mettez les angles en forme, dégagez les languettes et vérifiez une dernière fois la fermeture ainsi que la fixation des anses.

Votre sac week-end matelassé est prêt pour sa première sortie !

 


 

 

Retrouvez le tutoriel complet en vidéo

Pour visualiser le retournement des anses, le montage de la fermeture éclair et le pliage des angles, retrouvez toutes les étapes dans notre vidéo.

Installez votre matériel et avancez à votre rythme, en mettant sur pause à chaque nouvelle étape.

🎬 Voir le tutoriel vidéo : coudre un sac week-end matelassé

  

Un projet couture réalisé avec la Cosia C23

Pour ce tutoriel, nous sommes accompagnés par Cosia et utilisons la machine à coudre Cosia C23.

Ce sac permet de travailler plusieurs gestes de couture : confectionner des anses, les fixer sur un ouvrage, créer du volume avec des angles et poser une fermeture éclair.

Quel que soit votre équipement, adaptez votre aiguille au tissu choisi et avancez doucement lorsque les épaisseurs se superposent.

 


 

 

Un cadeau cousu main pour Noël… et pour toute l’année

Choisir un tissu en pensant à la personne qui utilisera le sac, assortir les détails, prendre le temps de soigner les finitions : c’est aussi cela, le plaisir d’offrir du fait main.

Ce sac week-end pourra accompagner une escapade, une séance de sport ou les petites aventures du quotidien. À vous d’imaginer la version qui fera plaisir !

Et pour poursuivre la préparation des cadeaux, retrouvez notre challenge « 1 jour, 1 tuto », du 14 novembre au 13 décembre 2026 : 30 rendez-vous créatifs autour de la couture, du macramé, des bijoux et d’autres techniques à découvrir.

Alors, plutôt fleurs, rayures ou couleurs unies pour votre sac ?

Partagez vos réalisations avec La Maison des Makers sur les réseaux sociaux : on adore voir les tissus que vous choisissez et les projets qui prennent vie dans vos ateliers !

À très vite pour un nouveau tuto !

Caroline

Tutoriel réalisé en partenariat avec Cosia, avec la machine à coudre Cosia C23.

Coudre un sac week-end matelassé : le tuto pas à pas

14 nov. 2026

 Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

 

Il y a toujours un moment un peu étrange dans l’année où je commence à réfléchir à Noël. Dehors, les fenêtres sont encore ouvertes, les enfants portent des tee-shirts et personne n’a la moindre envie de boire un chocolat chaud. Pourtant, au milieu de mon atelier, les premières listes apparaissent, dès les mois d'été. 

Chaque fois, le contraste me fait sourire. Je cherche des idées de cadeaux à fabriquer alors que les affaires d’été ne sont pas encore complètement rangées. Je photographie des créations entourées de beaux papiers et de rubans avec la lumière franche d’une fin d’après-midi presque estivale. Il m’arrive même de lancer une playlist de Noël pour essayer de me placer dans l’ambiance, avant de l’arrêter au bout de trois chansons parce qu’entendre parler de neige pendant que le ventilateur tourne à côté de moi demande tout de même une certaine capacité d’abstraction.

Pour la plupart des gens, Noël commence lorsque les premières décorations apparaissent dans les magasins, que les journées raccourcissent vraiment et qu’il faut ressortir les manteaux. Chez les créateurs, les artisans, les marques et toutes les personnes qui imaginent des contenus pour cette période, Noël arrive beaucoup plus tôt. Parfois au printemps, souvent pendant l’été et presque toujours bien avant que quiconque soit prêt à en entendre parler.

Cette année encore, chez La Maison des Makers, Noël a commencé alors qu’il faisait chaud.




 

Préparer Noël sans avoir encore envie de Noël

 

Au début, il n’y a pas de sapin, pas de paquets et pas de décor parfaitement installé. Il y a surtout une liste. Une très longue liste, remplie d’idées notées un peu partout.

Certaines sont écrites proprement dans un carnet. D’autres se trouvent dans mon téléphone, entre une liste de courses et le nom d’une plage. Il y a aussi les captures d’écran sauvegardées tard le soir, les bouts de papier posés sur le bureau, les brouillons de mail et les phrases suffisamment mystérieuses pour que je ne comprenne plus du tout ce que j’avais voulu dire quelques semaines plus tard.

« Pochette brodée, mais très simple. »

« Bijou avec des lettres ? »

« Cadeau papier à personnaliser. »

Sur le moment, tout semblait parfaitement clair.

 

Puis vient la première étape de tri. Il faut regarder les idées les unes à côté des autres et vérifier qu’elles ne racontent pas toutes la même chose. Trente projets peuvent paraître immenses, mais les doublons arrivent très vite. On imagine plusieurs bijoux, trois façons de personnaliser une pochette, quelques objets pour la maison et, avant même de s’en rendre compte, toute la programmation commence à se ressembler.

Il faut trouver un équilibre entre les techniques, les niveaux de difficulté, les matières et les personnes auxquelles ces cadeaux pourraient être destinés. Certains projets doivent pouvoir être réalisés avec des enfants. D’autres peuvent demander un peu plus de patience. Il faut des idées rapides pour les personnes qui découvrent les loisirs créatifs, mais aussi quelques réalisations plus construites pour celles qui aiment passer une soirée entière à découper, broder, peindre ou assembler.

Je tiens surtout à ce que ces créations ne soient pas uniquement intéressantes pendant les fêtes. Noël est une formidable excuse pour se remettre à fabriquer, mais un cadeau fait main doit pouvoir être offert pour un anniversaire, une naissance, une invitation, une fête ou simplement pour faire plaisir.

C’est le principe de cette nouvelle série : imaginer des objets que l’on pourra réaliser en novembre et en décembre, bien sûr, mais aussi conserver dans sa liste d’idées tout au long de l’année. Une pochette, un bijou, un accessoire personnalisé, un objet décoratif ou un petit cadeau utile ne perd pas son intérêt dès que les guirlandes sont retirées.

La période de Noël nous donne l’élan nécessaire pour nous lancer. Les projets, eux, sont faits pour durer bien au-delà.

Certaines propositions semblent immédiatement évidentes. Je vois presque l’image finale avant d’avoir commencé. Pour d’autres, il faut plusieurs essais. Un matériau réagit mal, un format qui paraissait joli sur le papier se révèle beaucoup trop petit à l’écran, une couleur disparaît à la caméra ou une idée supposée très simple demande finalement une quantité déraisonnable d’étapes.

C’est souvent à cet endroit que le projet commence réellement.

 

Tout ce que l’on ne voit pas dans une vidéo

Dans une vidéo de quelques minutes, les étapes s’enchaînent proprement. Le matériel est installé, les gestes sont précis et l’objet apparaît progressivement. Ce que l’on voit moins, ce sont les morceaux de papier froissés à côté de la table, les essais de couleurs, le prototype qui ne ferme pas correctement et celui qui semblait ravissant jusqu’au moment où je l’ai photographié.

Il y a souvent une première version que je trouve trop compliquée, puis une deuxième qui devient tellement simple qu’elle perd tout son intérêt. Je change une dimension, je déplace un motif, je remplace une matière parce qu’elle est difficile à trouver ou trop coûteuse. Je démonte parfois un projet terminé pour comprendre comment mieux expliquer une étape.

Il faut aussi penser à la personne qui regardera le tutoriel chez elle. Comprendra-t-elle où placer la colle ? Le mouvement sera-t-il suffisamment visible ? Ai-je choisi un fil assez contrasté ? Ai-je pensé à préciser qu’il faut laisser sécher avant de retourner l’objet ?

Lorsque l’on fabrique seul, on trouve souvent des solutions sans même s’en rendre compte. On maintient une pièce avec un doigt, on tourne légèrement le support ou on ajoute discrètement un point de colle. Dans un tutoriel, ces petits gestes doivent devenir visibles, car ils peuvent faire toute la différence entre un projet agréable et un moment particulièrement agaçant passé à se demander pourquoi rien ne tient.

Le tournage apporte ensuite ses propres imprévus. Il suffit que la lumière change au milieu d’une séquence, qu’une feuille de papier glisse, qu’un fil se coince ou que je m’aperçoive après plusieurs minutes que mes mains cachent précisément l’étape que j’essayais de montrer.

À force de regarder des vidéos créatives très rapides, on pourrait croire que les objets se construisent presque seuls. Une découpe, deux points de colle, une transition et le projet est terminé. Dans la réalité, il y a parfois une demi-heure entre ces deux points de colle. Il y a un temps de séchage, une couture à recommencer, un fichier à modifier ou une pièce découpée dans le mauvais sens.

Et puis il y a l’atelier après le tournage.

La table n’a plus grand-chose à voir avec celle que l’on découvre au début de la vidéo. Les outils se sont déplacés, les chutes de papier ont gagné du terrain et plusieurs projets appartenant à des journées différentes commencent à se mélanger. Une perle se retrouve au milieu d’un tutoriel de broderie, un ruban disparaît pendant deux jours avant d’être retrouvé dans une boîte qui ne contenait absolument pas de rubans, et les prototypes s’accumulent dans un coin en attendant que je décide lesquels méritent d’être conservés.

C’est aussi cela, préparer Noël plusieurs mois à l’avance : vivre pendant quelques semaines dans un atelier où cohabitent les projets du moment et une collection grandissante de cadeaux destinés à des personnes qui, pour l’instant, ne se doutent de rien.

 

 

 

Trente idées de cadeaux à fabriquer en trente jours

Bonne nouvelle ! A partir de demain, le samedi 14 novembre, une nouvelle aventure commencera sur La Maison des Makers : trente vidéos publiées en trente jours, avec trente idées de cadeaux à fabriquer soi-même.

Chaque jour, vous découvrirez un nouveau projet. Il y aura du papier, de la couture, des bijoux, de la pâte durcissante, de la personnalisation et différentes techniques créatives. Certaines idées seront très rapides. D’autres pourront vous accompagner pendant une soirée ou un week-end.

Mais ce ne sera pas une série composée uniquement de créations de Noël.

Les fêtes seront le point de départ et l’occasion de se demander ce que l’on pourrait fabriquer pour les personnes que l’on aime. Les projets auront néanmoins été choisis pour pouvoir être réalisés et offerts toute l’année. Vous pourrez les reprendre pour un anniversaire, la fête des Mères, une invitation, un cadeau de maîtresse, une naissance ou simplement pour faire plaisir à quelqu’un sans attendre une date particulière.

Chaque vidéo sera prolongée sur le blog, avec les informations nécessaires pour retrouver les fournitures, les étapes et, lorsque le projet le demandera, les modèles à télécharger. Des formats courts seront également publiés pour vous permettre de repérer rapidement les idées que vous aurez envie d’enregistrer pour plus tard.

Cette série représente beaucoup de préparation, mais j’aime particulièrement ce rendez-vous. Il m’oblige à chercher dans des directions très différentes et à réfléchir à ce qui fait réellement un bon cadeau créatif.

Ce n’est pas forcément l’objet le plus compliqué ni celui qui demande le plus de matériel. C’est parfois une création très simple, mais dont on a choisi chaque détail pour une personne précise : une couleur qu’elle porte souvent, un mot qui lui ressemble, une forme qu’elle collectionne ou une matière que l’on sait qu’elle aimera toucher.

Le fait main prend une valeur particulière à Noël, mais cette valeur ne disparaît pas au mois de janvier. Un objet peut être modeste et néanmoins raconter beaucoup de choses : le temps que l’on a choisi d’y consacrer, la personne à laquelle on a pensé, les couleurs que l’on a sélectionnées et les petites imperfections qui prouvent qu’il n’a pas été produit par milliers.

Je sais aussi que trente vidéos peuvent sembler beaucoup. Tout le monde n’aura pas envie de réaliser trente projets, et ce n’est absolument pas l’objectif. La série est plutôt à imaginer comme une grande boîte à idées dans laquelle vous pourrez piocher aujourd’hui, dans trois mois ou l’année prochaine.

Certaines propositions vous plairont immédiatement. D’autres correspondront davantage à une personne de votre entourage ou à une occasion future. Vous pourrez simplement regarder, enregistrer, adapter ou mélanger plusieurs techniques. Un motif pourra être utilisé sur un autre support. Un bijou pourra changer de couleurs. Une idée prévue pour une pochette pourra finir sur la couverture d’un carnet.

C’est souvent ainsi que la création fonctionne le mieux : non pas en reproduisant exactement ce que l’on voit, mais en prélevant un détail pour l’emmener ailleurs.

 

 

 

Quand le vrai Noël arrive enfin

Lorsque les premières vidéos seront publiées, une grande partie du travail aura déjà été réalisée depuis longtemps. Les projets auront été imaginés, testés, recommencés, filmés, photographiés et expliqués. Les fichiers seront prêts, les articles programmés et mon atelier aura probablement retrouvé un semblant d’ordre.

C’est à ce moment-là que le calendrier des créateurs rejoint enfin celui de tout le monde.

Les températures baissent pour de vrai. Les branches de sapin ne semblent plus complètement déplacées. Les chansons de Noël deviennent supportables et les lumières installées dans les rues correspondent enfin aux images que j’ai regardées pendant des semaines.

Il reste parfois une étrange sensation de décalage. Lorsque Noël arrive réellement, nous avons déjà emballé des dizaines de faux cadeaux, noué suffisamment de rubans pour toute une année et passé beaucoup de temps à réfléchir à ce que nous pourrions offrir aux autres.

Mais le vrai mois de décembre conserve malgré tout quelque chose de différent.

Les créations fabriquées pour les vidéos commencent à quitter l’atelier. Certaines sont offertes, d’autres restent à la maison et les essais que j’avais laissés de côté trouvent parfois une utilité inattendue. Une première version imparfaite finit entre les mains de quelqu’un qui la préfère au projet définitif, et je retrouve au fond d’une boîte une réalisation oubliée qui me rappelle le jour où toute cette préparation a commencé.

Un jour où il faisait encore chaud, où les fenêtres étaient ouvertes et où Noël ne semblait intéresser absolument personne.

À l’exception, peut-être, des créateurs.

Rendez-vous donc le 14 novembre pour découvrir la première vidéo de ce challenge : trente idées de cadeaux à fabriquer en trente jours, à offrir à Noël ou à n’importe quel autre moment de l’année.

À très vite,

Caroline

 Hello les Makers, j'espère que vous allez bien ! 

 

Il y a une scène que de nombreuses couturières ont probablement connue au début des années 2010. Sur la table, un livre acheté dans une librairie japonaise ou commandé après l’avoir aperçu sur un blog. À l’intérieur, de grandes photographies lumineuses, des robes amples, des blouses à petits cols et des pantalons simples portés avec des ballerines ou des chaussures en cuir. Puis, glissée dans la couverture, une planche de patrons si dense qu’il faut quelques minutes pour comprendre quelle ligne suivre. Tout est écrit en japonais. On ne sait pas toujours où commencent les marges de couture ni à quel moment retourner la pièce, mais les dessins paraissent suffisamment précis pour tenter l’aventure.

En France, certaines couturières se sont mises à réaliser ces modèles bien avant que les livres soient traduits. Elles les identifiaient par un numéro, comparaient leurs versions sur les blogs et s’entraidaient pour décrypter les schémas. Le blog collectif Japan Couture Addicts se présentait lui-même comme un espace réunissant des passionnées de livres de couture en japonais ; chaque ouvrage y possédait sa référence et chaque modèle sa lettre ou son numéro. Lorsque les premières traductions françaises sont arrivées autour de 2010, elles ont rendu accessibles des titres devenus presque mythiques dans cette communauté.

Ces livres venaient du Japon, mais beaucoup semblaient raconter une France légèrement rêvée. Une France de blouses en lin, de robes à petits plis, de tabliers transformés en vêtements de ville, de fillettes sages en chaussettes hautes et de femmes capables de traverser Paris avec un panier en osier sous le bras. Les photographies ne montraient pas nécessairement la tour Eiffel ni les quais de Seine. Pourtant, une certaine idée de l’allure française semblait se glisser partout.

Pourquoi les livres de couture japonais ont-ils autant regardé du côté de la France ? Et pourquoi les couturières françaises se sont-elles, à leur tour, reconnues dans cette interprétation japonaise de leur propre vestiaire ?

 




  

Des livres japonais qui avaient un petit air de garde-robe française

Lorsque Tuniques, robes, etc. de Yoshiko Tsukiori paraît en français en 2010, le livre propose vingt-six modèles destinés à construire une garde-robe composée de robes, de chemises, de petits hauts et de tuniques. Il sera suivi de titres comme Ma petite garde-robe, Blouses, robes et cie ou Capes et manteaux. Les noms eux-mêmes semblent avoir été choisis pour évoquer non pas la mode spectaculaire des podiums, mais cette garde-robe quotidienne que l’on associe volontiers à l’élégance française : quelques pièces simples que l’on porte souvent, que l’on combine facilement et dont la personnalité dépend beaucoup du tissu choisi.

Il faut toutefois rester prudente avec l’idée d’une influence entièrement japonaise. Les titres français ne sont pas toujours la traduction littérale des titres originaux. Les maisons d’édition ont aussi participé à construire cette image en adaptant les ouvrages à leur lectorat. Petites filles modèles, par exemple, évoque immédiatement en France le roman de la comtesse de Ségur, tandis que Jolies tenues pour fillettes coquettes installe tout un décor de robes sages, de petits manteaux et de détails raffinés. Ces choix éditoriaux ont probablement accentué une proximité avec l’imaginaire français qui existait déjà dans les vêtements, les photographies et la manière de présenter les collections.

Le phénomène ne se limite d’ailleurs pas à la couture. Le style français, et plus particulièrement la figure de la Parisienne, fait depuis longtemps l’objet de livres, de magazines et de guides publiés au Japon. En 2018, l’éditeur japonais Kadokawa publiait par exemple The French Style Book, consacré à une manière de s’habiller décrite comme à la fois décontractée, féminine et parisienne. Le cliché de la Française naturellement élégante, capable de composer une tenue avec une chemise blanche, un jean, un trench et une paire de chaussures plates, circule au Japon comme il circule désormais dans une grande partie du monde.

Dans les livres de couture, cet imaginaire est débarrassé d’une grande partie de son arrogance. La Parisienne ne porte plus une garde-robe inaccessible. Elle devient un ensemble de formes reproductibles à la maison : une blouse, un pantalon droit, une robe souple, un petit manteau, parfois un col Claudine ou une manche légèrement ballon. L’allure française se transforme en patron.



Une France observée depuis le Japon

La fascination japonaise pour la mode française ne commence évidemment pas avec les livres de couture.

Paris a longtemps occupé une place centrale dans le système international de la mode. Dès le XIXe siècle, puis pendant une grande partie du XXe, les maisons parisiennes ont contribué à fixer les silhouettes, les techniques et le calendrier des collections. La France a exporté non seulement des vêtements, mais aussi une idée de la couture comme savoir-faire, de la créatrice ou du couturier comme auteur et de Paris comme lieu où une carrière pouvait obtenir sa consécration. Le Palais Galliera rappelle que des créateurs venus de nombreux pays, notamment du Japon, ont été attirés par ce système français tout en participant à le transformer.

Kenzo Takada s’installe à Paris dans les années 1960 et y ouvre sa première boutique en 1970. Issey Miyake, Rei Kawakubo et Yohji Yamamoto feront ensuite de Paris un lieu essentiel de leur parcours. Ils ne se contenteront pas d’adopter les règles de la mode française : ils les déplaceront. Les volumes, les asymétries, la relation entre le vêtement et le corps ou la place laissée à l’imperfection vont profondément modifier le regard occidental. La sociologue Yuniya Kawamura décrit cette histoire comme une relation d’interdépendance entre les créateurs japonais et le système français de la mode, plutôt que comme une simple adoption de Paris par le Japon.

Cette précision change beaucoup de choses. Le Japon ne copie pas une élégance française qui serait restée intacte. Il l’observe, la sélectionne, puis la réorganise selon ses propres goûts et ses propres usages. Une blouse romantique peut devenir plus ample. Une robe de petite fille se débarrasse d’une partie de ses ornements. Le manteau classique gagne du volume. La tenue conserve une silhouette familière, mais sa construction et sa manière d’occuper l’espace ne sont plus tout à fait les mêmes.

Les livres japonais qui nous paraissent « très français » sont donc souvent le résultat d’une traduction culturelle. Ils retiennent certaines figures de notre vestiaire — la blouse, la marinière, le petit manteau, la robe noire, le pantalon simple — mais les présentent avec une sobriété, un confort et une attention aux proportions immédiatement reconnaissables.

 

Quand le Japon nous renvoie une version plus douce de notre propre style

En feuilletant ces ouvrages, les couturières françaises n’ont pas seulement découvert des vêtements étrangers. Elles ont retrouvé des pièces qu’elles connaissaient déjà, mais regardées autrement.

La blouse n’était plus nécessairement ajustée à la taille. Elle pouvait laisser de l’espace autour du corps. La robe ne cherchait pas toujours à souligner la poitrine ou les hanches. Elle se construisait parfois à partir de formes très simples, presque géométriques, dont l’intérêt apparaissait dans le mouvement du tissu. Une tunique pouvait être portée seule, au-dessus d’un pantalon ou sous un gilet. Le même patron changeait complètement selon qu’il était réalisé dans un coton imprimé, un lin lavé ou une laine fine.

Cette aisance a beaucoup compté dans le succès des livres japonais. Elle correspondait au désir de coudre des vêtements que l’on pouvait réellement porter dans la journée, sans avoir à maîtriser immédiatement toutes les techniques de la couture traditionnelle. Les modèles de Yoshiko Tsukiori ont notamment séduit par leurs formes simples et relativement peu structurées. La série Stylish Dress Book, dont Tuniques, robes, etc. constitue la version française du premier volume, a fait l’objet de très nombreuses interprétations dans la communauté française.

Tout n’était pas parfait pour autant. Les tailles japonaises demandaient souvent des ajustements. Certaines encolures étaient plus larges que prévu, les emmanchures pouvaient tomber différemment et les volumes généreux n’étaient pas toujours adaptés à toutes les silhouettes. Sur les blogs, les modèles étaient raccourcis, ceinturés, élargis ou au contraire repris sur les côtés. Une robe japonaise cousue en France ne restait donc presque jamais exactement japonaise. Elle passait par le tissu disponible, la morphologie de la couturière et sa propre manière de s’habiller. Les archives de Japan Couture Addicts montrent cette succession de versions modifiées, colorées ou adaptées, très éloignées parfois de la photographie initiale.

C’est sans doute à cet endroit que le dialogue devient le plus concret. Le Japon propose une interprétation du vestiaire français. La couturière française récupère cette interprétation, puis la transforme encore. Une idée aura traversé plusieurs milliers de kilomètres avant de terminer dans un morceau de Liberty, un lin acheté au marché ou une chute gardée depuis trois ans dans un placard.

 

 

 

Des explications capables de traverser la langue

Avant les traductions, une grande partie de l’attrait de ces livres venait aussi de leur conception graphique.

Les couturières françaises pouvaient ne pas lire un seul caractère japonais et réussir malgré tout à suivre certaines étapes grâce aux schémas. Les pièces étaient numérotées, les coutures indiquées, les mouvements représentés avec une précision qui compensait en partie l’absence de texte compréhensible. Des blogs et des séries de tutoriels sont ensuite apparus pour aider les lectrices à identifier les symboles, comprendre les tableaux de tailles et utiliser les planches de patrons.

Cette manière de transmettre un geste par le dessin entretient elle aussi un lien particulier avec le DIY. La couture possède son propre vocabulaire, mais elle reste une activité profondément visuelle. Une main placée au bon endroit, une flèche montrant le sens du pli ou une vue en coupe peuvent expliquer en une seconde ce qu’un long paragraphe rendrait presque abstrait.

Les livres japonais ont transformé cette clarté en véritable esthétique éditoriale. Ils ne montrent généralement pas seulement le vêtement terminé. Ils organisent une petite vie autour de lui. Le modèle marche dans une rue, s’assoit près d’une fenêtre, tient un livre ou porte un panier. Les pages respirent. Les tissus, les accessoires et les décors appartiennent à la même palette. Avant même de choisir un patron, la lectrice entre dans une ambiance.

La France possédait déjà une importante tradition de magazines, de méthodes de coupe et de patrons. Les ouvrages japonais ont ajouté autre chose : le livre de couture comme objet d’inspiration, que l’on pouvait acheter pour fabriquer une robe, mais aussi simplement pour regarder une garde-robe prendre forme.

La France et le Japon se regardent depuis bien plus longtemps

Cette circulation dépasse largement la mode.

Au XIXe siècle, l’arrivée en Europe d’estampes, de textiles, d’éventails, de céramiques et d’objets japonais provoque en France un engouement auquel on donnera le nom de japonisme. Des artistes français ne se contentent pas de représenter des objets japonais : ils adoptent aussi des cadrages asymétriques, des aplats de couleur, de nouveaux rapports entre le vide et le motif. Le Metropolitan Museum of Art rappelle notamment l’influence de l’estampe japonaise sur des artistes comme Degas et Toulouse-Lautrec.

La France a donc, elle aussi, construit une partie de sa modernité en regardant le Japon. Les affiches, les arts décoratifs, le mobilier et les textiles européens ont absorbé des formes venues d’Asie, parfois avec beaucoup d’admiration, parfois en les simplifiant jusqu’au cliché. Les échanges entre les deux pays ont toujours contenu cette part de fascination et de réinterprétation.

Les livres de couture japonais constituent une version domestique et contemporaine de cette histoire. Cette fois, ce ne sont plus seulement des artistes ou des couturiers célèbres qui font circuler les idées. Ce sont des personnes qui cousent chez elles, partagent une photographie sur un blog, notent qu’elles ont ajouté quatre centimètres à une manche et expliquent comment elles ont réussi à comprendre le montage d’un col malgré les instructions en japonais.

La culture DIY crée des liens très différents de ceux de l’industrie de la mode. Elle ne s’organise pas uniquement autour des capitales, des défilés ou des maisons prestigieuses. Elle circule entre une librairie japonaise de Paris, un blog collectif, un salon créatif, une bibliothèque municipale et une table de salle à manger transformée en atelier le temps d’un dimanche.

Deux cultures attachées au geste, mais pas de la même manière

La France et le Japon partagent une forte valorisation du savoir-faire. Les deux pays accordent une place importante aux métiers, à la précision et à la transmission des techniques. Mais ils ne les mettent pas toujours en scène de la même façon.

Dans l’imaginaire français, la couture reste volontiers associée à l’atelier, au patronage, à la haute couture et au vêtement construit pour épouser le corps. Le savoir-faire se manifeste dans une pince parfaitement placée, un col tailleur, une doublure ou un travail d’ornementation. Les institutions françaises continuent d’ailleurs à présenter le tissage, la broderie, la dentelle et les métiers de la main comme des éléments centraux de l’histoire de la mode parisienne.

Les ouvrages japonais qui ont séduit le public DIY français mettent souvent davantage en avant l’économie de moyens, la répétition d’un patron de base et la relation entre la matière et le volume. Une forme très simple peut servir à plusieurs vêtements. Un détail est modifié, une manche ajoutée, une longueur changée, et le modèle devient différent. Le livre ne cherche pas nécessairement à conduire la couturière vers une pièce démonstrative. Il l’aide à construire une garde-robe cohérente.

Ces approches ne s’opposent pas. Elles se complètent particulièrement bien. La précision française apporte la construction et le goût de la finition. Le regard japonais invite à laisser davantage d’espace au tissu, à simplifier la ligne et à considérer le vêtement dans l’ensemble d’un quotidien.

C’est peut-être pour cette raison que la rencontre a été aussi durable.

 


 

 

Des livres qui ont changé notre façon de coudre

Aujourd’hui, les patrons indépendants, les PDF et les vidéos ont modifié nos habitudes. Nous pouvons télécharger un modèle en quelques minutes et regarder son montage sur notre téléphone avant même d’avoir découpé le tissu. Pourtant, les livres de couture japonais continuent de posséder une présence particulière.

Ils appartiennent à une époque où la découverte d’un nouveau livre pouvait ouvrir tout un territoire. On le feuilletait plusieurs fois avant de choisir un modèle. On dépliait la planche, on suivait avec le doigt la ligne correspondant à sa taille et l’on recopiait soigneusement les pièces sur du papier. Le livre restait ensuite posé près de la machine, parfois maintenu ouvert par une paire de ciseaux ou une boîte d’épingles.

Leur influence dépasse les vêtements qui ont réellement été cousus. Ils ont contribué à installer dans le DIY français le goût des photographies épurées, des matières naturelles, des collections pensées comme de petites garde-robes et des patrons pouvant être interprétés de nombreuses façons. Ils ont également montré qu’un ouvrage technique pouvait être un bel objet éditorial et qu’une communauté était capable de faire voyager un livre avant même qu’il soit traduit.

Il serait trop simple de raconter cette histoire comme celle d’un Japon amoureux de la France, suivi d’une France tombée sous le charme du Japon. Chacune des deux cultures a surtout trouvé chez l’autre une manière différente de regarder ce qu’elle connaissait déjà.

Le Japon a transformé la blouse, la robe et le manteau français en silhouettes plus souples, plus silencieuses et plus accessibles à la couture maison. La France a adopté ces modèles, puis les a ajustés, colorés, ceinturés et mélangés à ses propres habitudes. Entre les deux, le patron n’est jamais resté figé.

Il a voyagé.

 

Et vous, avez-vous déjà cousu un modèle tiré d’un livre japonais ? Ressemblait-il encore à la photographie d’origine une fois passé entre vos mains ?

A très vite ! 

 

Caroline

 Hello les Makers, j'espère que vous allez bien !

 

Il arrive un moment, à la fin d’un projet de couture, où l’objet semble terminé sans l’être complètement. Les fils ont été coupés, la doublure refermée et les coutures repassées. La trousse ferme correctement, le sac tient debout et le vêtement est enfin prêt à être essayé. On pourrait ranger les ciseaux et libérer la table. Pourtant, il manque encore quelque chose.

Dans une petite boîte posée à côté de la machine se trouvent quelques rectangles de tissu coloré. Certains portent un mot, d’autres un dessin minuscule, un cœur, un homard ou une phrase un peu impertinente. Il faut choisir celui qui correspond au projet, décider s’il sera cousu discrètement à l’intérieur ou placé bien en vue sur une poche, puis ajouter quatre derniers points.

L’étiquette ne mesure parfois que quelques centimètres, mais elle change immédiatement la création. Une pochette très simple devient plus personnelle. Un sweat cousu dans un tissu uni prend un peu d’humour. Le cadeau semble soudain avoir été pensé jusque dans son dernier détail.

Depuis quelques années, ces petites étiquettes se multiplient dans les merceries et sur les sites des marques françaises de patrons, de tissus et d’accessoires de couture. Elles ne servent plus uniquement à écrire « fait main » ou à apposer le nom d’une créatrice. Elles sont devenues de minuscules objets graphiques, parfois tendres, parfois drôles, capables de raconter en quelques fils ce que la personne qui a fabriqué l’objet avait envie d’y glisser.

 

 

 

Des étiquettes brodées qui sont le plus souvent… tissées

Nous parlons volontiers d’« étiquettes brodées », car leur dessin semble avoir été réalisé avec du fil. Techniquement, la plupart des modèles que nous trouvons aujourd’hui dans les merceries sont plutôt des étiquettes tissées.

Sur une étiquette brodée, le motif est ajouté à la surface d’un support textile à l’aide de points de broderie. Sur une étiquette tissée, les fils qui composent le fond, les lettres et les motifs sont intégrés directement pendant le tissage. Les modèles proposés par plusieurs marques françaises sont réalisés en tissage jacquard, un procédé qui permet de dessiner des formes et des textes assez fins en contrôlant précisément l’entrecroisement des fils. Marmaï indique par exemple utiliser cette technique pour ses collections d’étiquettes en polyester recyclé, tandis que les fabricants spécialisés rappellent que les griffes textiles sont historiquement réalisées sur des métiers de type Jacquard.

Cette différence pourrait sembler anecdotique. Elle explique pourtant la netteté du dessin, la résistance aux lavages et cette apparence très particulière, située quelque part entre le ruban, la miniature textile et le petit écusson.

Les bords sont souvent prépliés pour faciliter la pose et éviter que l’étiquette ne s’effiloche. Certaines sont conçues pour être prises dans une couture, d’autres pour être fixées à plat sur le vêtement. Elles peuvent rester à l’intérieur, comme les griffes traditionnelles des marques, mais les créations actuelles semblent de plus en plus faites pour être vues.

  

De l’information obligatoire au détail que l’on choisit

L’étiquette textile a longtemps été associée à une fonction pratique. Elle donne le nom de la marque, indique une taille, précise la composition du tissu ou explique comment laver le vêtement. Elle permet également d’identifier un manteau ou un sac d’enfant, à la manière des nominettes cousues dans les affaires scolaires.

L’histoire des étiquettes tissées est étroitement liée à celle de l’industrialisation du vêtement et au développement des marques. Elles permettent de reproduire un nom, un logo ou une identité visuelle sur toutes les pièces d’une collection. Les fabricants continuent d’ailleurs à produire ces griffes pour le prêt-à-porter, la haute couture, la lingerie, les vêtements professionnels et les créateurs indépendants.

La petite révolution actuelle consiste à avoir détourné ce langage professionnel pour l’introduire dans la couture personnelle.

Le vêtement n’a pas besoin d’être vendu pour avoir une étiquette. La personne qui l’a cousu n’a pas forcément créé une marque ni dessiné un logo. Elle peut simplement avoir envie d’ajouter « Cousu par maman », « All by myself », « Mode bêtises » ou « La vie est une fête » à l’intérieur d’un sweat, sur le bord d’une trousse ou au dos d’un bob.

Nous ne sommes plus seulement dans l’identification. Nous sommes dans la ponctuation.

L’étiquette agit comme le dernier mot ajouté au projet. Elle peut revendiquer le fait main, adresser un message à la personne qui recevra l’objet ou simplement apporter une couleur qui manquait à l’ensemble.

 

 

 

Quand les marques de couture créent leurs propres collections

Le succès de ces petits labels se mesure à la place qu’ils ont prise dans les collections des marques françaises de DIY.

Ikatee propose depuis plusieurs années des assortiments d’étiquettes conçus dans son studio, avec des messages comme « Haut les cœurs ». La marque les présente comme une touche finale, mais aussi comme un moyen de cacher une petite tache, de réparer un trou ou d’indiquer le devant et le dos d’un vêtement. Les modèles sont prépliés, lavables et pensés pour être intégrés facilement aux projets de couture.

Lise Tailor a développé des séries autour de la couture, du tricot et des cadeaux : « Cute as a button », « Here comes the sun », « Cousu par maman » ou « Tricoté par marraine ». L’étiquette n’y reprend pas nécessairement le nom de la marque. Elle est proposée comme un élément créatif autonome, que l’on choisit en fonction de la personne, du projet ou de l’histoire que l’on veut raconter.

Chez Marmaï, les collections d’étiquettes prolongent directement l’univers des tissus et des patrons. Les messages « Better Together », « Mode bêtises », « Family Power » ou « Refuge pour jours glacés » sont pensés pour être posés sur des poches, des manches, des tee-shirts, des bananes ou des bobs. Ils ne sont plus conçus uniquement comme des signatures intérieures : ils deviennent des éléments visibles de la composition.

Super Bison a également consacré des collections entières à ces petites finitions, avec des expressions comme « Mon cœur fait boum », « J’ai la frite » ou « La vie est une fête ». La marque explique avoir imaginé ces étiquettes pour apporter une touche finale à des accessoires et à des vêtements cousus à partir de ses patrons.

Enfin, certaines marques ont placé l’étiquette au centre de leur identité. L’Étiquette Home Couture propose des dizaines de modèles vendus à l’unité ou en lots, allant du petit cœur aux messages beaucoup moins sages. Sa présentation annonce d’ailleurs clairement la couleur : des étiquettes « mignonnes — ou pas » et des messages « pas toujours polis ». On y trouve aussi bien « Limoncello » ou « Ciao Amore » que « Jolie Morue » et quelques formulations que l’on imagine très facilement cousues à l’intérieur d’un sac offert à une amie.

Cette diversité montre que l’étiquette n’est plus un simple produit complémentaire de mercerie. Elle est devenue une petite collection à part entière, avec ses couleurs, son ton et parfois son millésime.

 

 

 

Quelques centimètres suffisent pour transformer un objet très simple

Une étiquette est particulièrement efficace sur les petites créations.

Lorsque l’on coud une robe ou une veste, la coupe, le tissu et le mouvement du vêtement apportent déjà beaucoup de personnalité. Une pochette rectangulaire, un étui à lunettes ou un tote bag disposent de moins d’éléments pour se distinguer. Si le tissu est uni, l’objet peut sembler très sage une fois terminé.

Une étiquette placée dans un angle suffit alors à modifier son expression. Elle attire le regard vers une couture, équilibre une surface vide et introduit une petite surprise. Un message de trois mots peut transformer une trousse en cadeau d’amitié, un sac à goûter en objet que l’enfant reconnaît immédiatement ou un coussin en souvenir d’une occasion particulière.

C’est sans doute l’une des raisons de leur succès. Ces étiquettes permettent d’obtenir un résultat très personnel sans ajouter une nouvelle technique complexe. Il n’est pas nécessaire de savoir broder un texte, de posséder une machine de découpe ni de préparer un motif thermocollant. Quelques points à la main ou une couture droite à la machine suffisent.

Elles permettent aussi de personnaliser des projets réalisés en série. Lorsque l’on prépare plusieurs trousses pour des cadeaux de fin d’année, des pochons pour une fête ou des accessoires destinés à toute une famille, le patron peut rester identique tandis que l’étiquette change selon la personne. Le projet conserve une cohérence, mais chacun reçoit un détail différent.

Ce minuscule morceau de tissu devient alors une façon très simple de dire : celui-ci a été pensé pour toi.

 

Signer sans transformer sa maison en entreprise

Le monde du DIY entretient depuis longtemps une relation un peu particulière avec le vocabulaire des marques.

Nous parlons de collections, de modèles, de prototypes et parfois même de petites séries. Nous photographions nos créations, choisissons une palette de couleurs et réfléchissons à leur présentation. Il est donc assez naturel que des éléments autrefois réservés aux professionnels entrent peu à peu dans les ateliers personnels.

Ajouter une étiquette donne immédiatement une impression de finition. Le vêtement semble plus abouti, même lorsque l’étiquette se trouve uniquement à l’intérieur. Ce geste peut rendre fière la personne qui l’a cousu : elle n’a pas seulement assemblé un tissu, elle a mené un projet jusqu’au dernier détail.

Cela ne signifie pas que chaque couturière cherche à devenir une marque. L’étiquette peut au contraire rester très intime. Certaines font imprimer leur prénom, un surnom donné par leurs enfants ou une expression que seule leur famille comprend. Des fabricants français proposent aujourd’hui des séries courtes et des outils de personnalisation permettant de choisir le texte, les couleurs et un petit motif, sans commander les milliers de pièces autrefois associées à la production textile. ABC Marquage propose par exemple ses griffes tissées à partir de quinze exemplaires dans son atelier de Haute-Loire.

La signature n’est donc pas nécessairement commerciale. Elle peut simplement reconnaître l’autrice du geste.

Pendant longtemps, les créations domestiques ont souvent circulé sans nom. Une couverture, un tablier ou une trousse étaient « faits par mamie » ou « cousus par une tante », parfois sans que la génération suivante sache exactement laquelle. Ajouter une date, un prénom ou un petit message peut contribuer à conserver cette histoire.

L’étiquette devient alors une archive minuscule.

 

 

 

De l’étiquette cachée à la phrase portée bien en vue

Le choix de l’emplacement raconte lui aussi quelque chose.

Cousue dans l’encolure ou dans une couture latérale, l’étiquette imite la griffe traditionnelle du vêtement. Elle reste discrète et se découvre au moment de s’habiller. Elle peut servir à identifier le dos d’un sweat pour enfant, à reconnaître rapidement la taille ou simplement à se rappeler que la pièce a été fabriquée à la maison.

Placée sur une poche, une manche ou le bord d’un sac, elle change de fonction. Elle devient un motif. Son message participe à l’allure générale de l’objet et doit être choisi comme on choisirait un bouton, un galon ou une broderie.

Certaines étiquettes sont même volontairement surdimensionnées. Elles occupent plusieurs centimètres et ne cherchent plus du tout à se faire oublier. Les modèles de Marmaï, par exemple, peuvent atteindre plus de sept centimètres et sont pensés pour être cousus directement sur le devant ou le dos d’un vêtement.

Cette évolution rejoint une tendance plus large dans le DIY : les finitions ne sont plus systématiquement dissimulées.

Nous avons longtemps appris qu’une couture réussie devait se voir le moins possible. Les fils devaient être ton sur ton, les reprises presque invisibles et l’objet fait maison devait ressembler à un produit sorti d’une boutique. Aujourd’hui, les réparations visibles, les surpiqûres contrastées, les patchs et les étiquettes revendiquent davantage l’intervention de la main.

La petite griffe colorée dit précisément ce que l’industrie essaie souvent d’effacer : quelqu’un a passé du temps sur cet objet.

 

Une manière de sauver les projets qui ne sont pas tout à fait parfaits

Il existe aussi une utilisation moins officielle, mais très familière à toutes les personnes qui cousent : l’étiquette peut arriver au bon endroit au bon moment.

À l’endroit exact où un point a dérapé.

Sur la petite trace laissée par le fer trop chaud.

Devant la couture que l’on ne souhaite vraiment pas découdre une troisième fois.

Les marques elles-mêmes évoquent cette possibilité. Ikatee présente ses étiquettes comme un moyen de cacher une tache ou un trou, en plus de leur fonction décorative.

Ce geste pourrait être considéré comme une tricherie. Il appartient pourtant pleinement à l’intelligence du fait main. Créer ne consiste pas uniquement à exécuter parfaitement un plan prévu à l’avance. Il faut aussi savoir réagir à ce qui arrive, déplacer un détail, ajouter une pièce ou transformer une erreur en décision esthétique.

Une étiquette légèrement décalée peut donner l’impression que tout avait été prévu ainsi.

La personne qui l’a posée est la seule à savoir ce qu’elle dissimule. Et parfois, quelques mois plus tard, elle ne s’en souvient même plus.

 

Les messages sont devenus de petits signes de reconnaissance

Les étiquettes actuelles ne parlent pas uniquement de couture. Elles reprennent le langage des réseaux sociaux, des chansons, des groupes d’amis et de la culture populaire. Elles utilisent l’anglais, l’italien, les jeux de mots et les expressions familières.

« Better Together », « Girl Power », « Salut beauté », « Hakuna Matata », « Here Comes the Sun » : ces phrases fonctionnent moins comme des informations que comme des clins d’œil. Elles permettent à la personne qui les choisit d’afficher une humeur ou une appartenance, sans imprimer un grand slogan sur tout le vêtement.

Le phénomène rappelle celui des pin’s, des charms ou des patchs que l’on ajoute aujourd’hui aux sacs. Le support reste relativement simple, puis chaque détail vient raconter un fragment de personnalité.

Une même banane cousue à partir du même patron pourra sembler très différente selon qu’elle porte un cœur rouge, un homard, une formule romantique ou un message légèrement insolent. L’étiquette crée de la variation sans remettre en cause tout le projet.

Elle rend également le fait main plus actuel. Les expressions comme « Cousu avec amour » conservent leur charme, mais elles ne correspondent pas à toutes les personnalités. Une adolescente préférera peut-être une phrase drôle, tandis qu’un enfant choisira une illustration colorée et qu’une amie appréciera un message que l’on n’aurait probablement pas trouvé dans la mercerie de nos grands-mères.

Le monde du DIY s’élargit lorsqu’il accepte plusieurs façons de parler.

 


 

 

Peut-on fabriquer ses propres étiquettes ?

Les collections tissées offrent une netteté et une résistance difficiles à reproduire à la maison, mais rien n’empêche de créer ses propres versions.

Un morceau de sergé de coton peut être imprimé avec un tampon textile. Une chute de tissu uni peut recevoir quelques lettres brodées à la main ou à la machine. Le papier lavable permet de fabriquer des étiquettes à l’aspect proche du cuir, sur lesquelles il est possible d’écrire, de graver ou d’ajouter un transfert. D’autres créatrices utilisent une machine de découpe, du flex ou du DTF pour produire de petites séries correspondant exactement à leur univers.

L’étiquette maison ne sera pas forcément aussi régulière qu’un modèle tissé industriellement. Elle possédera autre chose : la possibilité de changer à chaque projet.

On peut y noter une date, le prénom du destinataire ou une phrase qui n’existe nulle part ailleurs. Pour un cadeau de naissance, elle peut indiquer le mois où le vêtement a été cousu. Dans une couverture destinée à devenir un objet de famille, elle peut conserver quelques mots pour la personne qui la retrouvera bien plus tard.

Le support est petit, mais il oblige à choisir ce qui mérite de rester.

 

La différence se trouve parfois dans le dernier centimètre

L’engouement pour les étiquettes tissées pourrait sembler disproportionné. Après avoir choisi un patron, acheté le tissu, assemblé toutes les pièces et parfois passé plusieurs soirées sur un projet, pourquoi accorder autant d’importance à un rectangle de trois centimètres ?

Peut-être précisément parce qu’il arrive à la fin.

Il représente le moment où l’on cesse de voir les problèmes rencontrés pendant la fabrication pour regarder enfin l’objet terminé. Le zip légèrement récalcitrant, la couture décousue et les hésitations devant la machine appartiennent déjà à l’histoire du projet. L’étiquette affirme que l’on a décidé de le considérer comme achevé.

Elle donne aussi une voix aux créations les plus simples. Un objet fait maison n’a pas besoin d’être spectaculaire pour devenir personnel. Un pochon en coton uni, un étui matelassé ou une serviette de table peuvent porter une phrase, une couleur ou une petite image qui change complètement la manière dont nous les regardons.

Ce n’est pas tout à fait un logo. Ce n’est plus seulement une finition.

C’est une signature, parfois sérieuse, parfois affectueuse, parfois franchement irrévérencieuse. La preuve que l’objet n’est pas arrivé là par hasard et que quelqu’un a pensé à lui jusqu’au dernier point.

Et vous, quelle phrase aimeriez-vous glisser sur les objets que vous fabriquez ?

 

A très vite !  

 

Caroline

 Hello les Makers, j'espère que vous allez bien !

 

Au premier regard, le rayon paraît presque normal. Des boîtes de céréales s’alignent au-dessus des pots de confiture, des bouteilles de ketchup côtoient les paquets de biscuits et les produits d’entretien remplissent méthodiquement leurs étagères. Les couleurs sont familières, les logos immédiatement reconnaissables et les emballages rangés comme dans n’importe quel commerce.

Puis quelque chose trouble l’image.

Les bouteilles sont légèrement bombées. Les paquets possèdent des coutures visibles. Les tomates ont parfois deux petits yeux noirs et un sourire. Une boîte de conserve peut être saisie sans produire le moindre bruit métallique, car tout est fabriqué en feutrine : les aliments, les emballages, les fruits, les médicaments, les billets de banque et jusqu’aux objets les plus insignifiants posés près de la caisse.

Depuis plus de dix ans, l’artiste britannique Lucy Sparrow reconstitue ainsi des commerces entiers. Elle ne crée pas seulement quelques sculptures textiles inspirées de produits populaires : elle remplit réellement les rayons. En 2014, son installation londonienne The Cornershop réunissait déjà environ 4 000 objets cousus pour reproduire une petite épicerie de quartier. Elle a ensuite fabriqué une bodega new-yorkaise, plusieurs supermarchés, une épicerie fine, une pharmacie, une boutique de bagels, un sex-shop et, en 2025, un fish and chips composé de quelque 65 000 éléments textiles.

Cet été, son travail a encore changé d’échelle avec The Beginning of Convenience, présentée au Momentary, à Bentonville, dans l’Arkansas. Cette première exposition personnelle de Lucy Sparrow dans un musée américain reconstitue un supermarché inspiré des années 1980 et 1990 avec plus de 20 000 produits fabriqués individuellement. L’installation comprend aussi une reproduction de son atelier, surnommé la Felt Cave, ainsi qu’un documentaire consacré aux mois de préparation du projet.

Un supermarché entièrement cousu main possède une séduction immédiate. Il est coloré, drôle et rempli de détails à observer. Mais derrière ce plaisir visuel se cache un paradoxe beaucoup plus troublant : Lucy Sparrow consacre des mois à reproduire un monde conçu précisément pour que tout soit fabriqué, emballé et consommé le plus rapidement possible.

 

 

 

Coudre un à un les objets de la production de masse

Une boîte de céréales industrielle existe parce qu’elle peut être reproduite à des centaines de milliers d’exemplaires identiques. Son graphisme doit être reconnu en quelques secondes, son emballage empilé efficacement et son contenu consommé sans que l’on s’interroge longuement sur la personne qui l’a fabriqué.

Chez Lucy Sparrow, la même boîte doit être découpée, assemblée, rembourrée puis peinte. Les lettres, les couleurs et les détails du packaging sont reproduits à main levée. Le site de l’artiste précise que chaque objet est cousu et peint manuellement et que les variations du geste rendent tous les exemplaires légèrement différents. Sur les projets les plus importants, une équipe participe à la couture, au rembourrage et à la préparation des pièces, mais Sparrow continue à peindre elle-même les étiquettes et les détails qui rendent les produits reconnaissables.

La répétition fait partie du travail. Dans une pharmacie contenant 15 000 objets, la fabrication est organisée par séries : plusieurs formes sont découpées, cousues puis peintes en parallèle. Un seul objet peut demander une vingtaine de minutes, mais il n’existe jamais isolément. Il doit rejoindre des dizaines de dentifrices, de boîtes de comprimés ou de flacons presque semblables pour que l’illusion du commerce fonctionne.

Cette méthode place le geste artisanal dans une situation inhabituelle. Nous associons volontiers le fait main à la pièce unique, à la personnalisation ou à la petite série. Lucy Sparrow utilise au contraire la couture pour reconstruire l’abondance industrielle. Elle ne fabrique pas un paquet de chips afin de montrer la beauté de sa forme ; elle en fabrique suffisamment pour remplir tout un rayon.

L’accumulation est indispensable. Une seule bouteille en feutre serait un objet amusant. Mille bouteilles forment un paysage commercial.

Le temps consacré à cette reproduction modifie notre manière de regarder les produits. Une étiquette devant laquelle nous passerions habituellement sans ralentir devient le résultat de plusieurs gestes. La typographie, les contrastes, les mascottes et les minuscules promesses inscrites sur l’emballage réapparaissent. Lucy Sparrow ne redessine pas seulement des produits : elle rend visible tout le vocabulaire graphique que les marques ont installé dans notre mémoire.

 

 

Pourquoi la feutrine change-t-elle autant ces objets ?

La feutrine est une matière simple. Elle se découpe facilement, existe dans une vaste gamme de couleurs et ne s’effiloche pas comme un tissu tissé. Lucy Sparrow explique l’apprécier notamment parce qu’elle reste relativement accessible et lui permet de recréer presque n’importe quel produit grâce à la diversité de ses teintes.

Mais son intérêt ne se limite pas à sa praticité.

La feutrine appartient à l’univers des premiers travaux manuels, des jouets, des marionnettes et des décorations fabriquées à l’école. Elle évoque une créativité directe, presque enfantine : une paire de ciseaux, quelques morceaux colorés et un fil suffisent pour faire apparaître une forme.

Appliquée au supermarché, elle produit un curieux adoucissement. Les boîtes perdent leurs angles rigides. Les bouteilles s’arrondissent. Les produits deviennent souples, silencieux et agréables à toucher. Les aliments transformés ressemblent à des jouets et les emballages commerciaux prennent l’allure de petits personnages.

Cette douceur ne concerne pourtant pas uniquement les produits réconfortants. Lucy Sparrow a utilisé la même matière pour fabriquer les rayons d’une pharmacie, le contenu d’un sex-shop, des armes, des cigarettes, des médicaments et des objets associés au vol ou au crime. La feutrine peut rendre ces sujets accessibles sans les faire complètement disparaître. L’installation attire d’abord par sa couleur et sa fantaisie, avant que l’on comprenne ce qui a réellement été représenté.

Elle agit presque comme un filtre. Un objet agressif devient mou, mais reste identifiable. Une marchandise banale devient attachante, mais continue d’être une marchandise. Cette distance permet à l’artiste de parler de consommation, de santé, de sexualité ou de violence sans adopter le langage visuel que nous associons habituellement à ces sujets.

La feutrine n’efface pas leur sens. Elle déplace notre première réaction.

 

Un musée dans lequel on peut réellement faire ses courses

Les installations de Lucy Sparrow ne sont pas conçues comme des décors fermés derrière une barrière. Elles fonctionnent souvent comme de véritables commerces. Les objets sont disposés sur les étagères, proposés à la vente et retirés des rayons à mesure qu’ils sont achetés. L’artiste se tient elle-même derrière le comptoir, conseille les visiteurs, encaisse les achats et joue le rôle de la commerçante autant que celui de la créatrice.

Cette dimension n’était pas entièrement préméditée. À ses débuts, Lucy Sparrow a expliqué qu’elle tenait elle-même la boutique simplement parce qu’elle n’avait personne d’autre pour le faire, hormis sa mère venue l’aider certains week-ends. Sa présence est progressivement devenue une partie essentielle de l’œuvre.

En 2023, Feltz Bagels poussait encore plus loin cette interaction. Installée dans l’East Village new-yorkais, la boutique proposait treize sortes de bagels en feutre et des dizaines de garnitures. Le visiteur pouvait composer sa propre recette ; Lucy Sparrow cousait ensuite les éléments ensemble afin de lui remettre un sandwich textile personnalisé. Quelque 30 000 pièces avaient été préparées pendant neuf mois pour permettre ce service à la demande.

Le client ne choisissait donc pas une sculpture terminée sur un socle. Il commandait un bagel comme il l’aurait fait dans un véritable commerce. La combinaison de pain, de saumon, de tomate, de fromage ou de cornichons devenait une sorte de portrait alimentaire.

Le geste d’achat, habituellement extérieur au musée, entrait directement dans l’œuvre.

Cette ambiguïté participe au plaisir des installations. Nous savons que rien n’est réellement comestible et que le commerce est une fiction, mais nous continuons à regarder les rayons comme des clients. Nous comparons les produits, recherchons ceux que nous connaissons et choisissons celui que nous aimerions rapporter.

Lucy Sparrow ne place pas seulement l’art dans une boutique. Elle utilise nos habitudes de consommateurs pour nous apprendre à parcourir l’exposition.

 

 

 

Pourquoi reconnaissons-nous si bien ces paquets ?

Face à un rayon de Lucy Sparrow, chacun semble chercher un produit personnel.

Une marque de céréales mangée pendant l’enfance, un paquet de biscuits acheté par ses grands-parents, une boisson disparue ou une boîte dont le graphisme a changé. L’objet n’est pas précieux au sens traditionnel, mais il déclenche une mémoire très précise.

Dans ses entretiens, l’artiste raconte régulièrement que les visiteurs associent ses œuvres à des souvenirs domestiques : le repas préparé par leur mère, le goûter pris après l’école ou le produit qui se trouvait toujours dans un placard familial. Elle décrit davantage son travail comme une célébration des objets ordinaires et de leur capacité à rassembler que comme une dénonciation univoque de la consommation.

Les emballages sont des archives étranges. Nous les jetons dès que le produit est terminé, mais leurs couleurs restent parfois gravées dans notre mémoire pendant des décennies. Une ancienne boîte de chocolat en poudre peut évoquer une cuisine entière. Un logo suffit à faire revenir une époque, une personne et une odeur.

The Beginning of Convenience utilise précisément cette dimension. L’exposition recrée un supermarché inspiré des années 1980 et 1990 et s’intéresse à la montée des produits conçus pour être préparés rapidement : plats surgelés, repas au micro-ondes et préparations prêtes à l’emploi. Le Momentary présente cette période comme un moment où l’évolution des foyers et du travail a favorisé une consommation donnant davantage de place à la rapidité et à la commodité.

Lucy Sparrow reproduit donc des objets dont la promesse était de nous faire gagner du temps en utilisant une technique qui en exige énormément.

Elle coud lentement la naissance de la commodité.

Ce contraste empêche son travail de se réduire à une simple célébration nostalgique. Les rayons sont séduisants, mais ils contiennent aussi une histoire de nos modes de vie : la transformation des repas, la disparition de certains commerces, la place grandissante des marques et notre attachement à des produits pourtant fabriqués pour être remplacés aussitôt.

 

 

 

Derrière le monde joyeux, la disparition des petits commerces

Le premier grand magasin de feutrine de Lucy Sparrow n’était pas un hypermarché. The Cornershop occupait un ancien commerce de quartier dans l’est de Londres. L’installation reprenait les produits, le comptoir, la caisse et l’accumulation typique de ces petites boutiques où l’on achète à la fois du lait, un journal, des bonbons et quelques objets de dépannage.

Sparrow souhaitait notamment attirer l’attention sur leur rôle dans la vie locale et sur leur disparition progressive. Le commerce de proximité est un lieu de consommation, mais aussi un espace où l’on reconnaît les habitués, échange quelques mots et observe les petites habitudes du quartier.

Ses installations suivantes conservent cette dimension communautaire. La pharmacie, le diner, la bodega, le marchand de bagels ou le fish and chips sont des endroits où les produits comptent, mais où la personne derrière le comptoir compte aussi.

Cette présence explique peut-être pourquoi les grandes surfaces de Lucy Sparrow ne paraissent jamais complètement froides. Même lorsqu’elles contiennent des dizaines de milliers d’articles, chaque étiquette garde la trace d’une main. L’artiste et son équipe ont touché chaque élément avant qu’un visiteur puisse le saisir.

Elle recrée l’abondance sans réussir — ou sans chercher — à effacer les personnes qui l’ont produite.

C’est l’inverse du magasin automatisé, dans lequel tout doit circuler sans contact et sans attente. Chez elle, la file, la conversation et la fabrication font partie de l’expérience. Acheter une boîte de conserve en feutre ne répond à aucun besoin pratique ; l’échange redevient donc visible pour lui-même.

 

Quand une matière très ordinaire devient monumentale

Le travail de Lucy Sparrow est particulièrement inspirant pour les créateurs parce qu’il ne repose ni sur une technique inaccessible, ni sur une matière rare.

La feutrine est disponible dans les magasins de loisirs créatifs. Le point utilisé reste souvent simple. Les formes individuelles peuvent sembler presque naïves lorsqu’elles sont sorties de leur rayon.

La force apparaît dans la constance du projet, la précision du regard et le changement d’échelle.

Lucy Sparrow observe ce que la plupart d’entre nous ne regardent plus : le galbe d’une bouteille de produit vaisselle, l’organisation d’une étiquette, les couleurs d’une boîte de conserve ou la manière dont différentes familles de produits sont rangées ensemble. Elle ne cherche pas un sujet exceptionnel. Elle prend au sérieux ce qui se trouve déjà sous nos yeux.

Puis elle recommence.

Une fois, dix fois, mille fois, jusqu’à ce qu’un simple travail textile devienne une architecture dans laquelle le public peut entrer. La répétition n’est plus seulement une étape laborieuse de la fabrication. Elle construit l’œuvre.

Ses installations montrent aussi qu’un univers créatif ne doit pas obligatoirement effacer ses références populaires pour entrer dans le monde de l’art. Les emballages, les bonbons, les enseignes commerciales et les produits ménagers peuvent porter des souvenirs aussi puissants qu’un objet ancien conservé dans un musée.

 

 

Un supermarché ordinaire nous incite à choisir rapidement, à remplir notre panier et à passer au rayon suivant. Celui de Lucy Sparrow nous fait ralentir devant les mêmes produits parce qu’une couture, une lettre peinte ou un sourire minuscule nous rappelle soudain qu’ils ont une forme.

Elle transforme des marchandises fabriquées en masse en objets uniques, puis réunit ces objets uniques pour recréer l’impression de masse.

C’est peut-être pour cela que ses magasins sont si joyeux et légèrement inquiétants à la fois. Ils ressemblent exactement au monde que nous connaissons, mais quelqu’un a pris le temps de tout refaire à la main.

Même ce que nous pensions ne plus voir.

Et vous, quel produit très ordinaire de votre enfance aimeriez-vous retrouver dans les rayons en feutrine de Lucy Sparrow ?

 

A très vite !  

Caroline

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