Louise Misha : la marque bohème qui a remis les tissus blockprint au cœur des inspirations créatives

Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

Certaines marques donnent immédiatement l’impression d’ouvrir un carnet de voyage.
Des broderies délicates, des imprimés fleuris, des couleurs légèrement fanées, des détails cousus à la main et cette sensation très particulière d’un vêtement pensé presque comme un objet précieux.

Louise Misha fait partie de ces univers-là.

Depuis plusieurs années, la marque parisienne s’est imposée comme une véritable référence dans l’univers bohème contemporain, avec une esthétique reconnaissable entre mille. Mais derrière les robes brodées et les imprimés vintage, il y a surtout une marque qui a largement participé à remettre l’artisanat et le textile au centre du regard.

L’histoire de Louise Misha commence en 2012 autour de Marie Pidancet, styliste parisienne passionnée de voyages, de littérature et d’artisanat. La marque naît avec une envie très simple : apporter davantage de poésie au vestiaire de ses nièces. 

Mais ce sont surtout ses voyages qui vont construire l’ADN visuel de la marque.

L’Inde occupe une place très importante dans l’histoire de Louise Misha. Marie Pidancet explique régulièrement que ce pays a profondément influencé son rapport aux couleurs, aux textiles, aux motifs et au savoir-faire artisanal. Les saris, les broderies, les marchés, les mélanges d’imprimés et les techniques traditionnelles nourrissent depuis toujours les collections de la marque. 

 

 

 Et cela se ressent immédiatement dans leurs créations.

Chez Louise Misha, le vêtement n’est jamais totalement lisse ou minimaliste. Au contraire, tout repose sur les détails : smocks, broderies, patchworks, imprimés blockprint, matières texturées, volumes amples et finitions artisanales visibles.

Les motifs blockprint occupent d’ailleurs une place essentielle dans leur univers. Cette technique traditionnelle indienne consiste à imprimer les motifs à la main à l’aide de tampons de bois sculptés. Chaque couleur est appliquée séparément, ce qui crée de légères irrégularités et donne immédiatement beaucoup de vie au tissu.

C’est probablement ce qui rend ces imprimés aussi particuliers. Les fleurs semblent moins figées, les couleurs plus douces et l’ensemble possède une texture visuelle très différente des imprimés industriels classiques.

 

 

 

Louise Misha a largement participé à remettre ces tissus blockprint qu'on adore par ici au centre des inspirations mode, décoration et couture créative. Aujourd’hui, on retrouve cette esthétique artisanale partout : dans les univers bohèmes, les accessoires textile, les quilts, les marques lifestyle ou encore les projets DIY autour du patchwork et de la couture.

Et finalement, leur plus grande force est peut-être là : réussir à mélanger artisanat traditionnel, mode contemporaine et univers très émotionnel.

Leur travail autour des couleurs est également particulièrement inspirant. On retrouve souvent des palettes douces et chaleureuses : roses poudrés, ocres, bleus fanés, terracotta, verts sauge ou imprimés floraux légèrement vintage. Chaque collection semble pensée comme une histoire complète avec ses propres textures et atmosphères.

Cette approche a énormément influencé les univers créatifs de ces dernières années, notamment autour :

• de la couture,
• du textile artisanal,
• des palettes bohèmes,
• des broderies visibles,
• du retour du patchwork,
• ou encore des inspirations folk et vintage.

On retrouve aujourd’hui énormément de codes popularisés par Louise Misha dans les loisirs créatifs, les marques lifestyle et même les univers Pinterest liés à la décoration ou au DIY textile.

Mais la marque s’est aussi construite autour d’un vrai attachement au savoir-faire artisanal.

Louise Misha travaille depuis longtemps avec des ateliers spécialisés dans différentes techniques textiles traditionnelles et développe régulièrement des collections valorisant le travail manuel et les productions à taille humaine. La marque insiste beaucoup sur la préservation de techniques artisanales et sur les relations construites avec les ateliers partenaires.

  

 

Louise Misha ne vend pas uniquement des vêtements.
La marque raconte une manière d’habiter les matières, les couleurs et les détails.

Chaque collection donne presque envie de ralentir un peu, de ressortir des tissus anciens, de broder, de coudre ou de redonner de l’importance aux objets fabriqués avec attention.

Leur univers rappelle surtout qu’un détail artisanal peut complètement transformer une création. Une broderie visible, une couleur légèrement passée, une matière texturée ou un imprimé imparfait peuvent parfois raconter bien plus qu’un vêtement parfaitement lisse.

Et c’est probablement pour cela que Louise Misha continue d’inspirer autant les créatifs, les couturières et les amoureux du textile aujourd’hui.

Connaissiez vous cette jolie marque ? 

A très vite ! 

Caroline  

Louise Misha : la marque bohème qui a remis les tissus blockprint au cœur des inspirations créatives

25 juin 2024

Les herbiers encadrés : quand les fleurs deviennent de véritables objets de décoration

 Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

Depuis quelque temps, les herbiers encadrés reviennent doucement dans nos intérieurs. Et honnêtement, ce n’est pas très étonnant.
Ils ont ce mélange assez rare entre simplicité, poésie et élégance intemporelle.

Pendant longtemps, l’herbier a surtout évoqué les souvenirs d’école, les vieux carnets de botanique ou les collections anciennes rangées dans des bibliothèques familiales. Aujourd’hui, il retrouve une place totalement différente dans l’univers créatif et décoratif. Les fleurs pressées quittent les cahiers pour devenir de véritables compositions murales, délicates et modernes.

Ce qui rend les herbiers encadrés particulièrement intéressants, c’est qu’ils se situent à la frontière entre plusieurs univers.
On y retrouve un peu du DIY, un peu de la décoration, un peu de l’artisanat et même quelque chose de très méditatif. Cueillir une fleur, la faire sécher, observer sa transformation, réfléchir à la composition… tout cela ralentit naturellement le rythme et remet l’attention sur les détails.

 

 

Et contrairement à ce que l’on pourrait croire, les herbiers contemporains n’ont plus grand-chose à voir avec les compositions très chargées d’autrefois.
Les tendances actuelles vont plutôt vers des créations aériennes, avec beaucoup d’espace blanc, des fleurs choisies pour leurs formes graphiques et des cadres fins qui laissent respirer l’ensemble.

Les pensées, les cosmos, les pâquerettes, les fougères ou encore le gypsophile sont particulièrement appréciés car ils gardent une belle silhouette une fois pressés. Certaines fleurs deviennent presque translucides après séchage, ce qui apporte énormément de douceur aux compositions.

On voit également apparaître de plus en plus de cadres en verre transparent, parfois appelés “floating frames”. Les fleurs semblent alors suspendues dans l’air, comme figées dans le temps. Le résultat est très léger, presque minimaliste, et fonctionne aussi bien dans une décoration moderne que dans un intérieur plus campagne ou maison de famille.

Ce qui plaît aussi énormément dans cette pratique, c’est le rapport au souvenir.
Certaines personnes encadrent les fleurs d’un bouquet de mariage, d’autres conservent les fleurs d’un jardin familial ou de vacances d’été. L’herbier devient alors un objet personnel, chargé d’émotion, loin des décorations produites en série.

Et évidemment, l’univers créatif autour des fleurs pressées ne s’arrête pas aux cadres.
On retrouve aujourd’hui cette esthétique sur des marque-pages, des cartes, des bougies, des bijoux en résine, des coques de téléphone, des plateaux décoratifs ou encore de la papeterie artisanale. Les fleurs séchées apportent immédiatement une sensation de délicatesse et de naturel qui fonctionne très bien dans les créations faites main.

Il y a aussi quelque chose de très accessible dans cette activité. Pas besoin d’un atelier complet ou de matériel compliqué. Quelques fleurs, du papier absorbant, des livres lourds ou une presse à fleurs suffisent pour commencer. Et c’est probablement une des raisons pour lesquelles cette pratique séduit autant aujourd’hui : elle remet la créativité à portée de main.

Dans un monde où tout va vite, les herbiers encadrés rappellent qu’un simple végétal peut devenir une œuvre décorative à part entière.
Ils nous invitent à observer davantage les formes, les couleurs et les saisons. Et finalement, c’est peut-être cela qui les rend aussi précieux : cette capacité à transformer quelque chose d’éphémère en objet durable et sensible.


Avez vous déjà essayé de fabriquer vos herbiers tendance ? 

A très vite! 
Caroline 

Les herbiers encadrés : quand les fleurs deviennent de véritables objets de décoration

20 juin 2024

Et si votre bouquet de mariée devenait une œuvre d’art ?

 Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

Pendant longtemps, le bouquet de mariée avait une vie assez courte.
Quelques photos, une journée intense, puis les fleurs finissaient doucement par faner avant de disparaître complètement.

Mais depuis quelque temps, une nouvelle manière de conserver ces bouquets apparaît partout dans l’univers du mariage créatif : faire sécher ses fleurs puis les transformer en véritable objet décoratif.

Et honnêtement, on comprend très vite pourquoi cette idée séduit autant.

Car un bouquet de mariée n’est pas simplement un assemblage de fleurs.
Il raconte souvent des choix très personnels : une palette de couleurs imaginée pendant des mois, des variétés choisies pour leur symbolique, des fleurs de saison, parfois même des fleurs liées à un souvenir familial ou à une histoire particulière.

 

 

 

Le voir disparaître quelques jours après le mariage peut presque donner l’impression de perdre une petite partie de cette journée.

C’est probablement pour cela que les herbiers de bouquets de mariée connaissent aujourd’hui un tel succès.
Les fleurs sont soigneusement pressées ou séchées avant d’être recomposées dans un cadre, sous verre ou parfois même dans des compositions murales très contemporaines.

Le résultat se situe quelque part entre le souvenir intime et l’œuvre botanique.

Certaines créations gardent une approche très naturelle, avec des fleurs légèrement patinées par le temps, tandis que d’autres jouent davantage la carte graphique avec des compositions minimalistes et aériennes. Les roses deviennent presque veloutées, les delphiniums gardent leurs nuances bleutées, l’eucalyptus prend des tons sauge très doux… Chaque bouquet évolue différemment au séchage, ce qui rend chaque pièce totalement unique.

On voit également apparaître des ateliers et des créatrices spécialisées dans la préservation florale.
Certaines utilisent des techniques de pressage traditionnelles tandis que d’autres travaillent avec du séchage en silice pour préserver davantage les volumes et les couleurs. Les bouquets peuvent ensuite être transformés en cadres, cloches décoratives, plateaux en résine, bijoux ou même objets sculpturaux.

Ce qui est intéressant, c’est que cette tendance dépasse largement l’univers du mariage classique.
Elle s’inscrit dans un mouvement plus large autour des "memory keepers" que l’on conserve, transforme et réinterprète plutôt que de jeter. Dans une époque très numérique, ces souvenirs physiques prennent une valeur particulière.

 

 

On est finalement assez loin du souvenir figé ou poussiéreux.
Ces créations ressemblent davantage à des pièces artisanales sensibles, capables de raconter une histoire discrètement au détour d’un mur ou d’une étagère.

Et il y a aussi quelque chose de très beau dans cette idée de transformation.
Le bouquet accompagne une journée importante, puis change lentement de forme pour devenir un objet durable, presque intemporel. Comme si les fleurs continuaient à vivre autrement.

Peut-être que c’est cela qui rend cette tendance aussi touchante : cette envie de conserver un peu de poésie dans le temps, plutôt que de laisser certains souvenirs disparaître trop vite.

De votre coté, qu'avez vous fait de votre bouquet de mariage ? 

A très vite ! 
Caroline 

Et si votre bouquet de mariée devenait une œuvre d’art ?

27 mai 2024

Kitsch Kitchen : la marque hollandaise qui a transformé le kitsch en terrain de jeu créatif

 Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

Il y a des marques qui marquent immédiatement une époque. Pas forcément parce qu’elles suivent les tendances, mais plutôt parce qu’elles créent un univers tellement fort qu’il finit par devenir reconnaissable entre mille.

Kitsch Kitchen fait clairement partie de ces marques-là.

Si vous avez fréquenté les boutiques déco et créatives dans les années 2000, il y a de fortes chances que vous soyez déjà tombés sur leurs célèbres toiles cirées mexicaines, leurs sacs ultra colorés, leurs fleurs rétro, leurs cœurs sacrés ou encore leurs fameuses vierges en plastique devenues presque cultes.

Impossible de confondre leur univers avec un autre.

La marque néerlandaise a été fondée à Amsterdam au début des années 90 par Mehret Nissen, avec une idée assez simple au départ : importer des objets artisanaux mexicains et des produits populaires colorés qui n’existaient quasiment pas encore dans les boutiques européennes. À l’époque, l’univers déco dominant restait relativement sobre et minimaliste, notamment dans les pays nordiques.

 

 

 

Kitsch Kitchen a alors proposé exactement l’inverse.

Couleurs explosives, fleurs XXL, plastique brillant, objets religieux détournés, imprimés folk, céramiques populaires, guirlandes colorées, références mexicaines et esprit “plus c’est joyeux, mieux c’est”.

Et c’est probablement ce qui a rendu cette marque aussi marquante.

Le mot “kitsch” a longtemps été utilisé de manière péjorative dans le design et la décoration. Kitsch Kitchen a réussi à complètement renverser cette vision en transformant le kitsch en véritable terrain d’expression créative.

Leur univers ne cherchait jamais à être discret ou sophistiqué au sens traditionnel du terme. Au contraire, tout semblait pensé pour provoquer de l’émotion immédiate. Une toile cirée fleurie devenait presque un manifeste décoratif. Une vierge en plastique devenait un objet graphique. Une accumulation de couleurs devenait une identité visuelle.

Et finalement, quand on regarde les tendances actuelles autour du maximalisme, du dopamine decor, du retour des objets affectifs ou des intérieurs très personnalisés, on se rend compte à quel point Kitsch Kitchen avait plusieurs années d’avance.

Mais ce qui rend cette marque particulièrement intéressante pour les makers, c’est aussi sa manière de valoriser les objets populaires et artisanaux.

Leur univers a largement participé à remettre en avant des objets considérés comme trop exubérants, trop folkloriques ou trop décoratifs. Les toiles cirées mexicaines, par exemple, sont devenues grâce à eux de véritables références dans les univers créatifs et DIY.

Pendant des années, on les retrouvait partout :

• en nappes,
• en sacs cousus main,
• en trousses,
• en accessoires déco,
• dans les ateliers créatifs,
• dans les chambres d’enfants,
• ou même détournées en objets de couture.

Kitsch Kitchen a aussi beaucoup influencé toute une esthétique boutique indépendante très présente dans les années 2000 et 2010. On retrouvait souvent leurs produits dans des concept stores colorés, des boutiques créatives ou des univers mêlant décoration, papeterie et loisirs créatifs.

Leur identité visuelle a également participé à populariser un mélange culturel très particulier : inspirations mexicaines, iconographie religieuse populaire, artisanat folk, humour visuel et couleurs ultra saturées.

 

 

 

On retrouve d’ailleurs aujourd’hui énormément de références similaires dans les tendances actuelles :

• le retour des fleurs vintage,
• les intérieurs ultra colorés,
• l’esthétique Frida Kahlo,
• les objets artisanaux très expressifs,
• les cœurs sacrés,
• ou encore les mélanges de motifs assumés.

Kitsch Kitchen a aussi développé de nombreuses collaborations et collections autour du textile, des accessoires de maison et des objets du quotidien. Leur univers s’est progressivement étendu bien au-delà de la simple décoration pour devenir une véritable esthétique globale.

Mais ce qui reste probablement le plus inspirant chez eux, c’est cette liberté créative permanente.

Leur univers rappelle qu’un intérieur n’a pas forcément besoin d’être parfaitement coordonné pour être beau. Qu’un objet peut simplement être joyeux. Qu’une accumulation de couleurs peut créer une émotion immédiate. Et surtout qu’il est possible de construire une identité visuelle forte sans chercher à lisser sa personnalité.

Kitsch Kitchen fait partie de ces marques qui ont montré à toute une génération créative qu’on pouvait aimer les fleurs, les couleurs, les objets populaires et les mélanges improbables… sans avoir besoin de s’en excuser.

Et finalement, c’est probablement pour cela que leur univers continue d’inspirer autant aujourd’hui.

Si tu as déjà fait un détour pour acheter de la toile cirée Kitsch Kitchen tapes dans les mains ^^

A très vite ! 
Caroline 

Kitsch Kitchen : la marque hollandaise qui a transformé le kitsch en terrain de jeu créatif

18 mai 2024

Petit Pan : la marque qui a remis la couleur au cœur du DIY

 Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

Il y a des marques que l’on reconnaît immédiatement. Quelques fleurs colorées, un mélange d’imprimés, des couleurs franches et cette sensation très particulière d’entrer dans un univers joyeux, foisonnant et presque enfantin dans le plus beau sens du terme.

Petit Pan fait partie de ces marques devenues presque incontournables dans l’univers créatif français.

Depuis plus de vingt ans, la marque construit un langage visuel extrêmement identifiable autour du textile, du papier, de la décoration et des loisirs créatifs. Et finalement, peu de marques françaises ont autant influencé l’esthétique DIY de ces dernières années.

 

 

 

L’histoire de Petit Pan commence au début des années 2000 avec la rencontre de deux univers très différents : celui de Myriam De Loor, artiste belge passionnée de couleur et d’ateliers créatifs pour enfants, et celui de Pan Gang, issu d’une famille chinoise spécialisée dans la fabrication traditionnelle de cerfs-volants. 

Le point de départ de la marque ressemble presque à une histoire de film. Un colis de Chine arrive avec des vêtements d’enfants traditionnels extrêmement colorés. Myriam les utilise ensuite pour décorer un stand au salon Maison & Objet tenu par Pan autour des cerfs-volants familiaux… et les visiteurs veulent immédiatement acheter ces pièces. 

 

 

 

Très vite, Petit Pan développe alors un univers complet autour de cette idée : faire entrer la couleur, les motifs et la poésie dans le quotidien.

Ce qui est fascinant avec cette marque, c’est qu’elle n’a jamais vraiment suivi les tendances minimalistes. Alors que beaucoup d’univers déco se dirigeaient vers des palettes neutres et des intérieurs très épurés, Petit Pan continuait à défendre les imprimés, les accumulations, les mélanges de motifs et les couleurs ultra assumées (le fluo !!!).

Et finalement, leur esthétique paraît aujourd’hui incroyablement moderne.

Quand on regarde le retour actuel du maximalisme, des intérieurs expressifs, des tissus imprimés, du patchwork ou encore du “dopamine decor”, on retrouve énormément de choses que Petit Pan explorait déjà depuis des années.

 

 

 

Mais au-delà du style, Petit Pan a surtout apporté quelque chose d’important au monde du DIY français : la notion d’univers créatif global.

La marque ne vend pas seulement du tissu ou de la décoration. Elle propose une manière complète d’habiter la couleur. Leurs imprimés deviennent des rideaux, des trousses, des lampions, des accessoires couture, du papier adhésif, des carnets, des vêtements ou des chambres entières.

Et cela a eu un énorme impact dans les loisirs créatifs.

Beaucoup de créateurs et créatrices ont découvert grâce à Petit Pan une autre façon d’associer les couleurs et les motifs. La marque a largement participé à démocratiser le mélange d’imprimés dans le DIY français, notamment autour de la couture créative, des accessoires textile et de la décoration enfantine.

Leur mercerie a aussi marqué énormément de passionnés de couture. Les tissus enduits fleuris, les biais ultra colorés, les rubans, les cotons imprimés ou encore les petits accessoires de couture sont devenus presque cultes dans certains univers créatifs.

On retrouve aussi chez eux une vraie culture de l’objet artisanal. Les lampions, mobiles et cerfs-volants sont fabriqués à partir de techniques traditionnelles chinoises liées au bambou et à la soie peinte à la main dans l’atelier familial de Pan à Weifang, ville historique du cerf-volant en Chine. 

Et c’est probablement ce mélange qui rend la marque si particulière : un croisement permanent entre artisanat, couleur, décoration populaire, enfance et culture graphique.

Petit Pan a également développé plusieurs collaborations qui ont permis à leur univers de toucher un public encore plus large. La marque a aussi publié plusieurs livres créatifs et univers éditoriaux autour du DIY, de la couleur et des objets à fabriquer, renforçant encore davantage leur place dans la culture maker française.

Et finalement, c’est peut-être cela qui rend Petit Pan aussi inspirant aujourd’hui : leur capacité à avoir construit un univers immédiatement reconnaissable sans jamais perdre cette sensation de spontanéité et de joie créative.

Leurs collections donnent envie de fabriquer.
De mélanger.
D’oser les couleurs.
De coudre.
De décorer.
D’accumuler les motifs sans chercher la perfection.

Petit Pan rappelle surtout qu’un univers créatif fort peut être à la fois populaire, artisanal, joyeux et profondément personnel.

Ici on est accros... et de votre coté ? 

A très vite ! 
Caroline 

Petit Pan : la marque qui a remis la couleur au cœur du DIY

24 avr. 2024

Ce que nos projets inachevés racontent de nous

 Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

 

Je crois que presque toutes les personnes créatives ont un “projet en attente” quelque part.

Une broderie rangée dans un tiroir.
Un carnet commencé puis abandonné après quelques pages.
Une robe découpée mais jamais cousue.
Des pelotes achetées pour un pull qui n’existera peut-être jamais.
Un meuble à repeindre depuis des mois.
Un kit créatif ouvert “pour plus tard”.

Et pourtant, ces projets inachevés ne sont pas forcément des échecs.

Je dirais même qu’ils racontent souvent quelque chose de très intime sur notre rapport à la créativité.

Pendant longtemps, j’ai eu l’impression qu’un projet créatif devait absolument être terminé pour “compter”. Comme si la valeur de la création se trouvait uniquement dans le résultat final. L’objet fini. La photo publiée. Le DIY parfaitement abouti.

Mais plus j’observe les pratiques créatives autour de moi, plus je pense que ce n’est pas si simple.

Parce que créer n’est pas un processus linéaire.

Les réseaux sociaux montrent souvent des avant/après très satisfaisants. Une idée, quelques étapes joliment filmées, puis le résultat final. Mais la réalité créative ressemble rarement à cela. Elle est faite d’élans, de pauses, de fatigue, de changements d’envie, d’obsessions soudaines, d’expérimentations et parfois aussi de découragement.

Un projet créatif peut commencer avec énormément d’enthousiasme… puis perdre doucement son énergie en cours de route.

Et c'est profondément humain.

 

 

 

Je pense même que les projets inachevés sont parfois le signe d’une imagination très vivante. Beaucoup de personnes créatives ne manquent pas d’idées. Au contraire. Elles en ont tellement qu’elles ont du mal à rester longtemps dans une seule direction. Une envie en chasse une autre. Une esthétique remplace la précédente. Une nouvelle technique devient soudainement fascinante.

Le problème, ce n’est pas toujours le manque de motivation. C’est parfois simplement le trop-plein d’inspiration.

Et internet accentue énormément ce phénomène.

Nous sommes exposés en permanence à de nouvelles idées, de nouveaux loisirs, de nouveaux univers visuels, de nouvelles tendances créatives. Un jour, on veut apprendre la céramique. Le lendemain, on regarde des vidéos de tufting. Puis on découvre le junk journaling, la linogravure ou les meubles vintage repeints.

Nos envies créatives deviennent extrêmement mouvantes.

Et forcément, certains projets restent suspendus quelque part au milieu.

Mais je crois qu’il existe aussi une autre raison plus profonde : terminer un projet peut parfois être émotionnellement compliqué.

Parce qu’un projet terminé devient définitif. Il ne peut plus évoluer. Il cesse d’être une possibilité pour devenir une réalité concrète, avec ses imperfections visibles.

Tant qu’un projet reste inachevé, il conserve une forme de potentiel imaginaire. Il peut encore devenir “parfait” dans notre tête.

Je pense que beaucoup de personnes créatives connaissent cette sensation : ce moment où l’on ralentit inconsciemment juste avant la fin. Comme si terminer signifiait aussi accepter que le résultat réel ne ressemblera jamais totalement à l’image idéale qu’on avait imaginée.

 

 

 

Et cela demande une certaine vulnérabilité.

Créer, ce n’est pas seulement produire des objets. C’est aussi accepter ses maladresses, ses limites, ses hésitations et parfois même ses changements de désir.

Je trouve d’ailleurs intéressant de voir à quel point les hobbies créatifs sont souvent liés à nos émotions du moment. Certaines périodes donnent envie de commencer énormément de choses. D’autres rendent presque impossible le fait de terminer quoi que ce soit.

Un projet abandonné n’est pas forcément un manque de discipline. Il peut aussi raconter une fatigue mentale, un changement de vie, une perte d’énergie ou simplement une évolution personnelle.

Et finalement, je crois qu’on parle très peu de cette réalité-là dans les univers créatifs.

On valorise énormément la productivité créative. Les collections terminées, les projets aboutis, les ateliers parfaitement organisés, les objets finalisés. Mais beaucoup moins les phases de pause, de doute ou les créations laissées ouvertes.

Alors qu’au fond, elles font complètement partie du processus.

Certains projets nous accompagnent pendant des années. Certains reviennent au bon moment. D’autres ne seront jamais terminés… et ce n’est peut-être pas grave.

Parce qu’un projet créatif n’apporte pas uniquement quelque chose lorsqu’il est fini.

Il apporte parfois déjà énormément dans l’élan qu’il provoque. Dans les heures passées à chercher des idées. Dans le plaisir d’acheter les matières. Dans les essais ratés. Dans l’apprentissage d’une technique. Dans le simple fait d’avoir eu envie de créer quelque chose.

Je crois aussi qu’il existe une forme de tendresse particulière dans les projets inachevés. Ils racontent des versions de nous-mêmes. Des périodes. Des obsessions passagères. Des moments où nous avions envie d’apprendre quelque chose de nouveau ou de transformer un peu notre quotidien.

Et finalement, peut-être que la créativité n’a pas toujours besoin d’être rentable, optimisée ou parfaitement finalisée pour avoir de la valeur.

Peut-être qu’un projet commencé est déjà une trace importante de notre imagination.

Et vous, quel est le projet créatif que vous n’avez jamais vraiment réussi à terminer ?

À très vite !
Caroline

Ce que nos projets inachevés racontent de nous

15 avr. 2024

Le Macramé, le Nouveau Yoga : (re)Trouvez la Sérénité à travers l'Art des Noeuds

 Dans une époque où le stress et l'anxiété semblent omniprésents, de nombreuses personnes cherchent des moyens de se détendre et de retrouver leur équilibre intérieur. Si le yoga est depuis longtemps reconnu pour ses bienfaits sur le corps et l'esprit, une nouvelle tendance émerge, offrant une autre voie vers la sérénité : le macramé. 

Cet art millénaire de tissage de nœuds offre bien plus que de simples créations décoratives ; il peut également devenir une pratique méditative et apaisante, nous permettant de nous reconnecter avec nous-mêmes et avec le monde qui nous entoure.

 

 

 

Retrouver la paix intérieure à travers le macramé

Le macramé, qui tire ses origines des traditions artisanales anciennes, consiste en la création de motifs et de motifs décoratifs à l'aide de nœuds complexes, souvent réalisés avec des cordes ou des fils. Ce processus minutieux demande une concentration et une attention particulières, ce qui en fait une activité idéale pour calmer l'esprit agité.

Lorsque nous nous plongeons dans un projet de macramé, que ce soit la réalisation d'un attrape-rêves, d'une tenture murale ou même d'un bracelet, notre esprit se libère des pensées incessantes et se concentre entièrement sur les mouvements répétitifs de nos mains. Cette focalisation sur l'instant présent crée un état de pleine conscience, similaire à celui atteint lors d'une séance de yoga. Nous nous trouvons alors dans un état de calme intérieur, où le stress et les préoccupations de la vie quotidienne semblent s'évaporer.

 

 

 

Le macramé comme pratique méditative

Au-delà de ses aspects esthétiques, le macramé peut devenir une véritable pratique méditative. En nous concentrant sur la création de nœuds précis et sur la progression de notre projet, nous sommes invités à ralentir, à respirer profondément et à nous connecter avec notre souffle. Ce processus nous permet de relâcher les tensions physiques et mentales, tout en cultivant un sentiment de paix intérieure et de bien-être.

De plus, le macramé offre une grande flexibilité en termes de pratique. Que vous choisissiez de travailler sur un projet complexe pendant plusieurs heures ou de consacrer simplement quelques minutes par jour à nouer des fils, les bienfaits méditatifs seront au rendez-vous. En intégrant le macramé dans votre routine quotidienne, vous pouvez créer un espace de calme et de réflexion, où vous pouvez vous retirer lorsque le stress de la vie moderne devient écrasant.

 

 

 

Les bienfaits du macramé pour le bien-être mental

Les avantages du macramé sur le bien-être mental sont nombreux et variés. En plus de favoriser la relaxation et la réduction du stress, cette pratique artisanale peut également stimuler la créativité et la confiance en soi. En créant des œuvres uniques et personnelles, nous exprimons notre individualité et notre vision artistique, ce qui renforce notre estime de soi et notre sentiment d'accomplissement.

De plus, le macramé peut également être une activité sociale, offrant l'occasion de se connecter avec d'autres passionnés d'artisanat et de partager des conseils, des idées et des inspirations. Cette dimension sociale renforce notre sentiment d'appartenance à une communauté et peut contribuer à lutter contre l'isolement et la solitude, des problèmes de plus en plus courants dans notre société moderne.

 

 

 

Le macramé n'est pas seulement un passe-temps créatif, mais aussi une pratique thérapeutique qui peut nous aider à retrouver la paix intérieure et l'harmonie dans nos vies bien remplies. En nous plongeant dans l'art des nœuds, nous découvrons une voie vers la sérénité, où le stress s'estompe et où la créativité s'épanouit. Que vous soyez débutant ou expert, le macramé offre à chacun la possibilité de cultiver le calme et la tranquillité, un nœud à la fois.

 

Pour retrouver notre sélection de fils, c'est par ici que ça se passe !

 

A très vite !
Caroline

Le Macramé, le Nouveau Yoga : (re)Trouvez la Sérénité à travers l'Art des Noeuds

5 avr. 2024

Tout ce que vous devez savoir sur la Jesmonite : Matière polyvalente pour les créations DIY

 Tout ce que vous devez savoir sur la Jesmonite : une matière polyvalente pour les créations DIY

 

La Jesmonite est une matière polyvalente qui gagne rapidement en popularité dans le domaine du DIY et de l'artisanat. Dans cet article, nous allons explorer en détail cette substance fascinante, de sa présentation à ses multiples utilisations dans la création de petits moules en silicone, sa colorisation, ainsi que son potentiel pour une utilisation quotidienne.

 

1. Présentation de la Jesmonite :

La Jesmonite est un matériau composite à base de résine acrylique et de poudre de ciment. Cette combinaison unique confère à la Jesmonite des propriétés impressionnantes, notamment sa solidité, sa durabilité et sa malléabilité. Elle est disponible sous forme de pâte, ce qui la rend facile à travailler pour une variété de projets DIY.

 

 

 

2. Utilisation dans des petits moules en silicone :

La Jesmonite est idéale pour la création de petits moules en silicone. Grâce à sa capacité à reproduire les détails les plus fins, elle permet de fabriquer des moules précis et résistants. Que vous souhaitiez fabriquer des bijoux, des pièces décoratives ou des éléments de design, la Jesmonite offre une excellente solution pour la production en série ou la création d'objets uniques.

3. Colorisation de la Jesmonite :

Une des caractéristiques les plus intéressantes de la Jesmonite est sa capacité à être facilement colorée. Vous pouvez ajouter des pigments de couleur à la pâte de Jesmonite pour créer une large gamme de teintes et d'effets artistiques. Que vous préfériez des couleurs vives et audacieuses ou des tons plus subtils et naturels, la Jesmonite vous offre une palette infinie pour exprimer votre créativité.

 

 

 

4. Utilisation au quotidien :

En plus de son utilisation dans des projets créatifs, la Jesmonite trouve également sa place dans notre quotidien. Grâce à sa résistance aux chocs et à l'eau (une fois un vernis ajouté), elle peut être utilisée pour fabriquer une variété d'objets fonctionnels tels que des porte-savons, des pots de fleurs ou même des éléments de mobilier. Son aspect esthétique et sa durabilité en font un choix attrayant pour les projets de décoration intérieure et d'aménagement.

 

 

 La Jesmonite est bien plus qu'un simple matériau de construction. Sa polyvalence et ses nombreuses applications en font un incontournable pour les passionnés de DIY et d'artisanat. Que vous l'utilisiez pour créer des petits moules en silicone, pour colorer vos projets ou pour fabriquer des objets du quotidien, la Jesmonite offre un potentiel illimité pour laisser libre cours à votre créativité.

 

Pour retrouver notre gamme de Jesmonite, c'est par ici que ça se passe !

Tout ce que vous devez savoir sur la Jesmonite : Matière polyvalente pour les créations DIY

3 avr. 2024

Assortir les tissus Indiens : une mission pas si impossible !

Assortir les tissus indiens imprimés en blockprint avec des tissus classiques : un guide pour créer des combinaisons harmonieuses

 

Les tissus indiens imprimés en blockprint sont connus pour leurs motifs vibrants et leurs couleurs éclatantes. Cependant, les intégrer dans un projet de couture peut parfois sembler intimidant, surtout lorsqu'il s'agit de les associer à des tissus plus classiques. Dans cet article, nous allons explorer des techniques simples pour assortir ces tissus indiens avec des unis ou faux unis, en mettant l'accent sur la recherche d'une couleur en commun et sur l'adoucissement des motifs pour créer des combinaisons équilibrées et élégantes.

 

 

1. Trouver une couleur en commun

Lorsque vous travaillez avec des tissus indiens imprimés en blockprint, cherchez une couleur présente dans le motif que vous pouvez mettre en évidence en choisissant un tissu uni ou faux uni. Par exemple, si votre tissu indien comporte des touches de bleu turquoise, envisagez d'associer ce tissu avec un tissu uni dans une teinte similaire de bleu pour créer une harmonie visuelle.

 

2. Adoucir les motifs des tissus indiens

Les motifs des tissus indiens peuvent parfois être très audacieux et occupés. Pour équilibrer cela, optez pour des tissus classiques avec des motifs plus subtils ou des faux unis. Par exemple, si votre tissu indien présente des motifs floraux imposants, choisissez un tissu classique avec des rayures ou des petits motifs géométriques pour créer un contraste intéressant tout en adoucissant l'ensemble.

 

 

3. Jouer avec les textures

En plus des couleurs et des motifs, pensez également à jouer avec les textures des tissus pour ajouter de la dimension à votre projet. Contrairement à l'idée reçue, certains tissus indiens imprimés en blockprint ont une structure très lisse, parfois même satinée, due à un processus de finition spécial. Vous pouvez compléter cela en choisissant des tissus classiques avec une texture légèrement granuleuse ou rugueuse pour créer un contraste tactile intéressant.

 

Assortir les tissus indiens imprimés en blockprint avec des tissus classiques peut sembler être un défi, mais en choisissant une couleur en commun, en adoucissant les motifs et en jouant avec les textures, vous pouvez créer des combinaisons harmonieuses qui mettent en valeur la beauté de chaque tissu. N'ayez pas peur d'expérimenter et de laisser libre cours à votre créativité !

En suivant ces conseils simples, vous serez en mesure de créer des projets de couture uniques et saisissants qui marient habilement le charme des tissus indiens avec l'élégance intemporelle des tissus classiques.

En espérant que cet article vous ait été utile dans vos projets de couture ! N'hésitez pas à partager vos propres astuces et expériences dans les commentaires ci-dessous.

 

A très vite !

Caroline 

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Assortir les tissus Indiens : une mission pas si impossible !

31 mars 2024

Motifs de broderie gratuits du mois : Un ensemble scandinave pour embellir vos créations #freebie

 Hello les Makers !
J'espère que vous allez bien ! 

Nous sommes ravis de vous présenter les motifs de broderie gratuits du mois à télécharger ici ! Ce mois-ci, nous avons concocté pour vous un ensemble de trois motifs dans un style scandinave rafraîchissant : deux fleurs géométriques et un adorable oiseau. Ces motifs sont spécialement conçus pour être facilement réalisables, avec uniquement des points arrière et des points de nœud. Parfait pour les débutants et les experts en broderie !

 

Comment les utiliser :

Ces motifs sont extrêmement polyvalents et peuvent être utilisés pour embellir une grande variété de projets. Que ce soit sur des vêtements, des accessoires, des coussins ou même des sacs, laissez libre cours à votre imagination pour créer des pièces uniques et personnalisées.

 

 

Apprendre à broder :

Si vous êtes nouveau dans le monde de la broderie, ne vous inquiétez pas ! Nous avons préparé une vidéo tutorielle pour vous guider à travers les étapes de broderie de ces motifs. N’hésitez pas à aller y faire un tour pour vous simplifier la vie ! 

 

Exemple de réalisation :

Pour vous donner un aperçu de ce que vous pouvez accomplir avec ces motifs, j'ai réalisé un essai sur un short classique en molleton pour ma fille. Les motifs se sont parfaitement intégrés au tissu et ont ajouté une touche de style scandinave à son look décontracté. Consultez les images ci-dessous pour voir le résultat !

 

 

J'espère que ces motifs de broderie gratuits vous inspireront dans vos prochains projets créatifs. N'oubliez pas de partager vos créations avec nous sur les réseaux sociaux en utilisant le hashtag #MotifsBroderieDuMois. Nous avons hâte de voir ce que vous allez réaliser !

A très vite !
Caroline

Motifs de broderie gratuits du mois : Un ensemble scandinave pour embellir vos créations #freebie

Peut-on encore créer sans se comparer ?

 Hello les Makers, j’espère que vous allez bien !

 

Je crois que la comparaison fait aujourd’hui partie de presque toutes les pratiques créatives.

Pas forcément de manière brutale ou consciente. Parfois, elle est beaucoup plus discrète. Elle apparaît au détour d’une vidéo, un atelier parfaitement rangé sur Instagram, d’un carnet créatif filmé sous une jolie lumière ou d’une personne qui semble maîtriser exactement le style qu’on aimerait avoir.

Et je me demande souvent : peut-on encore créer sans se comparer ?

Parce que nous évoluons dans une époque où nous voyons énormément de créativité. Peut-être même plus que jamais auparavant. Chaque jour, nous sommes exposés à des milliers d’illustrations, d’objets faits main, d’intérieurs, de DIY, de céramiques, de broderies, de palettes de couleurs, de moodboards et de créations soigneusement mises en scène.

L’inspiration est partout.
Et la comparaison vient souvent avec elle.

Le problème, c’est que la créativité est quelque chose de profondément personnel. Quand on crée, on ne montre pas seulement une compétence. On montre aussi des goûts, une sensibilité, une vision esthétique, parfois même une part émotionnelle de soi.

 

 

 

 

Alors forcément, regarder le travail des autres peut parfois devenir intimidant.

Je pense que beaucoup de personnes connaissent cette sensation : commencer un projet avec enthousiasme… puis ouvrir Instagram “juste pour chercher une idée” et avoir soudain l’impression que tout ce qu’on fait est moins beau, moins original ou moins abouti.

Et pourtant, ce qui est étrange, c’est que les réseaux sociaux donnent aussi énormément envie de créer.

C’est probablement là toute l’ambivalence de notre époque créative.

Nous n’avons jamais eu autant accès à l’inspiration, aux tutoriels, aux techniques ou aux univers créatifs du monde entier. Internet a démocratisé énormément de pratiques artistiques et artisanales. Des milliers de personnes ont commencé la couture, le crochet, la céramique, le dessin parce qu’elles ont découvert ces univers en ligne.

Les réseaux sociaux nourrissent véritablement la créativité.

Mais ils nourrissent aussi une forme de perfection visuelle permanente.

Parce que la plupart des contenus que nous voyons sont sélectionnés, cadrés, montés et montrés sous leur meilleur angle. Nous ne voyons pas les heures ratées, les essais abandonnés, les doutes ou les projets laissés en plan. Nous voyons surtout le résultat final.

Et cela modifie énormément notre perception de la création.

 

 

 

Je trouve d’ailleurs intéressant de voir à quel point certaines personnes n’osent plus commencer une activité créative parce qu’elles ont déjà vu des versions “parfaites” de cette pratique avant même d’essayer. Comme si l’inspiration devenait parfois paralysante.

Avant même de peindre une première toile, on a déjà vu des centaines d’artistes incroyablement talentueux. Avant de tenir un carnet créatif, on a déjà observé des journaux parfaitement composés. Avant de coudre un vêtement, on a déjà enregistré cinquante vidéos de créatrices expérimentées.

Et forcément, il devient difficile de créer de façon totalement innocente.

Je crois aussi que la comparaison est particulièrement forte dans les univers créatifs parce qu’ils touchent directement à l’identité. Nos goûts, nos couleurs préférées, nos objets, nos intérieurs ou nos créations deviennent des extensions visibles de notre personnalité.

On ne compare pas seulement des objets. On compare des sensibilités.

Et pourtant… je pense qu’il existe encore des moments où l’on crée sans comparaison.

Souvent, ce sont des moments très simples. Quand on oublie de prendre des photos. Quand on entre complètement dans une activité. Quand on expérimente quelque chose juste pour le plaisir. Quand on recommence sans chercher à montrer le résultat. Quand on fabrique quelque chose uniquement parce qu’on en avait envie.

Je crois que la création redevient plus libre lorsqu’elle cesse momentanément d’être observée.

Pas forcément parce qu’il faudrait quitter les réseaux sociaux ou arrêter de regarder ce que font les autres. Mais peut-être parce qu’il devient important de garder des espaces créatifs qui ne sont pas entièrement pensés pour être vus.

Parce qu’au fond, la créativité n’est pas censée être une compétition permanente.

Et je pense même que certaines des créations les plus touchantes naissent justement dans ces moments où l’on oublie un peu les tendances, les algorithmes, les likes et les références visuelles pour retrouver quelque chose de beaucoup plus instinctif.

Créer pour ressentir.
Créer pour expérimenter.
Créer pour jouer.
Créer simplement parce que cela fait du bien.

Et peut-être qu’aujourd’hui, réussir à préserver cet espace-là est déjà une forme de liberté créative.

Et vous, avez-vous parfois l’impression que les réseaux sociaux influencent votre façon de créer ?

À très vite !
Caroline

Peut-on encore créer sans se comparer ?

25 mars 2024

Tendances Couleurs Printemps-Été 2024 : les couleurs de la période

Hello les Makers, 

J'espère que vous allez bien !

Aujourd'hui, je vous propose un tour d'horizon des couleurs phares pour la saison printemps-été 2024. Bien qu'à mon sens fabriquer ne doit pas se limiter à une utilisation saisonnière, c'est toujours agréable de travailler avec les coloris tendance du moment ^^

 Chaque année apporte son lot de tendances, et 2024 ne fait pas exception. Dans le vaste monde de la décoration d'intérieur, les couleurs jouent un rôle crucial. Plongeons ensemble dans cet univers chromatique pour découvrir les nuances qui marqueront cette année.

 

 

 

Cap sur le pastel !

 

Lilas / Rose poudré / Jaune Pâle / Vert Pistache sont LES couleurs de ce printemps. 

 Ce printemps, les tendances en matière de couleur nous offrent une palette aussi douce que dynamique. Parmi ces teintes, le lilas, le rose poudré, le jaune pâle et le vert pistache se distinguent comme les véritables stars de la saison. 

Lilas : La Douceur Printanière

Le lilas, avec sa douceur évocatrice des premières fleurs qui éclosent, incarne parfaitement l'esprit printanier. Cette teinte délicate apporte une touche de fraîcheur à toute garde-robe, qu'elle soit portée en total look ou associée à d'autres couleurs tendance de la saison. Les tons pastel sont également polyvalents, s'intégrant harmonieusement aussi bien dans des tenues décontractées que dans des ensembles plus sophistiqués pour les soirées printanières.

 

Rose Poudré : L'Élégance Subtile

Le rose poudré, synonyme d'élégance et de délicatesse, s'impose comme une couleur incontournable ce printemps. Cette teinte douce et féminine évoque la légèreté des pétales de fleurs et apporte une touche de romantisme à toute tenue. Que ce soit sous forme de robes vaporeuses, de hauts raffinés ou d'accessoires délicats, le rose poudré est une option sûre pour une allure chic et tendance.

 

Jaune Pâle : L'Éclat du Soleil

Le jaune pâle, avec sa luminosité chaleureuse, évoque les premiers rayons de soleil printaniers. Cette teinte vive et ensoleillée apporte instantanément de la joie et de la vivacité à n'importe quelle tenue. Que ce soit sous forme de tops légers, de jupes aériennes ou même d'accessoires accrocheurs, le jaune pâle est une invitation à embrasser la saison avec optimisme et énergie.

 

Vert Pistache : La Fraîcheur Printanière

Le vert pistache, avec son éclat rafraîchissant, évoque la renaissance de la nature au printemps. Cette teinte vive et lumineuse apporte une touche de vitalité à toute garde-robe, rappelant les feuilles fraîchement écloses et les bourgeons qui pointent à peine. Que ce soit sous forme de vestes légères, de pantalons élégants ou même d'accessoires accrocheurs, le vert pistache est un choix audacieux et rafraîchissant pour cette saison.

 

 

Les teintes chaudes

Vert Éclatant/ Orange Lumineux / Bleu Royal / Rouge Passion

Ce printemps, plongez dans un tourbillon de couleurs éclatantes et vibrantes qui éveillent les sens et apportent une touche d'audace à votre garde-robe. Parmi les teintes phares de la saison, le vert éclatant, l'orange lumineux, le bleu royal et le rouge passion se démarquent comme des choix incontournables pour créer des looks dynamiques et captivants.

 

Vert Éclatant : La Fraîcheur de la Nature

Le vert éclatant, symbole de renouveau et de vitalité, évoque la fraîcheur de la nature qui s'éveille au printemps. Cette teinte vive et audacieuse apporte une touche de dynamisme à toute tenue, rappelant les feuilles nouvellement écloses et les prairies verdoyantes. Que ce soit sous forme de robes fluides, de vestes légères ou même d'accessoires accrocheurs, le vert éclatant est un choix rafraîchissant et plein de vie pour cette saison.

Orange Lumineux : L'Énergie du Soleil

L'orange lumineux, avec sa chaleur rayonnante, incarne l'énergie et la vitalité du soleil printanier. Cette teinte éclatante et joyeuse apporte une touche de dynamisme et de bonne humeur à toute garde-robe, rappelant les couchers de soleil flamboyants et les fleurs épanouies. Que ce soit sous forme de hauts éclatants, de pantalons audacieux ou même d'accessoires accrocheurs, l'orange lumineux est un choix audacieux et ensoleillé pour cette saison.

Bleu Royal : L'Élégance Intemporelle

Le bleu royal, avec sa profondeur captivante, évoque l'élégance et la sophistication intemporelles. Cette teinte riche et majestueuse apporte une touche de raffinement à toute tenue, rappelant les ciels étoilés et les océans profonds. Que ce soit sous forme de robes élégantes, de costumes impeccables ou même d'accessoires sophistiqués, le bleu royal est un choix classique et élégant pour cette saison.

Rouge Passion : La Puissance de l'Amour

Le rouge passion, avec sa force envoûtante, incarne la puissance et l'intensité de l'amour et de la passion. Cette teinte ardente et séduisante apporte une touche de glamour et de sensualité à toute garde-robe, rappelant les roses rouges et les feux de camp sous les étoiles. Que ce soit sous forme de robes audacieuses, de vestes provocantes ou même d'accessoires envoûtants, le rouge passion est un choix irrésistible et captivant pour cette saison.

En conclusion, le vert éclatant, l'orange lumineux, le bleu royal et le rouge passion sont véritablement les couleurs à adopter ce printemps pour créer des looks dynamiques et captivants. Leur fraîcheur, leur énergie, leur élégance et leur passion en font des choix incontournables pour ceux et celles qui veulent faire sensation cette saison. Alors, n'hésitez pas à intégrer ces teintes audacieuses dans votre garde-robe et à laisser libre cours à votre créativité pour des styles printaniers inoubliables !

Les Couleurs Métalliques

Les couleurs métalliques sont depuis longtemps synonymes de sophistication et d'élégance, apportant une touche d'éclat à chaque tenue. Bien que je préfère généralement porter ces teintes en accessoires pour une subtile note de glamour, pourquoi ne pas oser un vêtement entièrement doré ou orné de détails dorés ?

Imaginez-vous vêtue d'une robe scintillante qui capte la lumière du soleil et la réfléchit sous forme d'éclats dorés, créant ainsi une aura de glamour et de luxe. Ou bien optez pour une veste métallisée qui ajoute une touche futuriste et sophistiquée à votre tenue estivale.

Ce n'était peut-être pas quelque chose auquel j'aurais pensé pour l'été, mais pourquoi ne pas sortir de sa zone de confort et explorer de nouveaux horizons stylistiques ? Après tout, la mode est une forme d'expression personnelle et une occasion de s'amuser avec son style.

Que vous choisissiez des accessoires métalliques pour une touche subtile ou que vous osiez le total look doré pour un effet plus saisissant, les couleurs métalliques sont un moyen sûr de faire briller votre style cet été. Alors, pourquoi ne pas laisser briller votre créativité et intégrer un peu d'éclat métallique à votre garde-robe estivale ?

 

Bon OK, c'est plutôt vaste, mais cela permet de vous donner des petites idées et surtout de garder en tête : cette saison 2024 est COLOREE !

Out les périodes tristouilles beige / gris kaki, on part désormais sur du color block ^^

Et vous, quelles sont les couleurs de votre printemps ? 

A très vite !

Caroline

 

Tendances Couleurs Printemps-Été 2024 : les couleurs de la période

20 mars 2024